El gran acontecimiento espiritual que inician los griegos entre los siglos Siglo VII a. C. consiste en intentar superar esta manera de estar ante el mundo con otra manera revolucionaria que apuesta por la razón como el instrumento de conocimiento y de dominio de la realidad. Esta manera revolucionaria de pensar se debe a una serie de factores:

• Carencia de libros sagrados y sistema educativo, por lo tanto, no tenían límites que coartasen su libertad.
• Los griegos tenían cierta capacidad para la teoría (teorizar).
• En el siglo VII antes de Cristo se producen una serie de transformaciones sociales que afectan a la economía y al comercio. En relación a esta última transformación se debe que empezasen a viajar y a darse cuenta de que existían sociedades distintas a las suyas, gracias a esto empezaron a pensar y a buscar otras explicaciones racionales que contrapusiesen a la explicación mítica.

No obstante no hay que creer que la actitud mítica desaparece completamente a partir de esta fecha, más bien ocurre que son unas pocas personas las que viven en el nuevo y revolucionario modo de pensar, y que éste poco a poco se va haciendo más universal. Aún más, la actitud mítica todavía no ha desaparecido en nuestra época.

Así pues, frente a la explicación mítica del mundo, en el año 625 a. C. aparece la actitud racional.

Los griegos descubren que las cosas del mundo están ordenadas siguiendo leyes. El mundo es un cosmos, no un caos, por lo que un cuerpo no se manifiesta primero de una manera y luego de otra completamente distinta, sino que en su manifestación hay cierto orden, según su esencia o naturaleza.

Así, pues, la filosofía nace con el paso del mito al logos:

• Mito: imaginación, arbitrariedad, caos.
• Logos: razón, necesidad, cosmos.

Con los griegos aparece por primera vez el pensamiento en todas sus manifestaciones (ciencia, filosofía, matemática). Las cuestiones filosóficas fundamentales, y las posibles soluciones que se pueden dar a ellas, ya se encuentran en la filosofía griega, y en gran medida en Platón. Lo característico de la filosofía griega fue su preocupación por comprender el ámbito de la naturaleza, el cual podemos alcanzar o por el uso de los sentidos, o mediante el uso de la razón.

Los primeros filósofos, que son anteriores a Sócrates, se llaman presocráticos y descubren el carácter ordenado, legal y racional del mundo, y en el hombre un instrumento que ha de servir tanto para el conocimiento como para la vida práctica (moral y política): la razón.

La época del inicio de la filosofía en Grecia, se caracteriza por profundas transformaciones económicas y sociales que llevaron a una crisis de la nobleza y, finalmente, a nuevas formas de gobierno como la tiranía o la democracia. El “paso del mito al logos” es simultáneo con estos cambios.

El pasaje de lo mítico a lo racional propende dejar de lado la interpretación mitológica y religiosa del mundo, para colocar en su sitio una explicación filosófica y científica, movida por la racionalidad humana. Cabe señalar que no debe entenderse este paso como algo brusco sino paulatino (las influencias míticas son todavía apreciables en muchos pensadores de la antigüedad).

Entre el 600 y el 200 a.C., la filosofía griega constituyó el fundamento de toda la especulación filosófica en el mundo occidental. Las hipótesis intuitivas de los antiguos griegos presagiaron diversas teorías de la ciencia moderna, incluso muchas de las ideas morales elaboradas por los filósofos griegos han sido incorporadas a la doctrina moral cristiana. Las ideas políticas desarrolladas por los pensadores griegos han influenciado a muchos líderes políticos a lo largo de la historia.

La filosofía griega puede es dividida entre aquellos filósofos que buscaban una explicación del mundo en términos físicos y quienes subrayaban la importancia de las formas inmateriales o ideas. La primera escuela importante de la filosofía griega, la jonia o milesia, era en gran parte materialista, fundada por Tales de Mileto en el siglo VI a.C., partió de la creencia de Tales según la cual el agua es la sustancia primigenia de la que procede toda materia. Anaximandro ofreció una idea más elaborada y mantuvo que la base de toda materia es una sustancia eterna que se transforma en todas las formas materiales conocidas comúnmente. Esas formas, a su vez, cambian y se funden en otras de acuerdo con la regla de la justicia, es decir, una especie de equilibrio y proporción. Heráclito consideraba que el fuego es la fuente primordial de la materia, pero creía que el mundo entero está en constante cambio o flujo y que la mayoría de los objetos y sustancias se producen por la unión de principios opuestos. Consideraba el alma, por ejemplo, como una mezcla de fuego y agua. El concepto de nous (inteligencia), sustancia infinita e inmutable que penetra y controla cada objeto viviente, fue desarrollado por Anaxágoras, que también pensaba que la materia consistía en partículas en una escala infinitesimal pequeña, o átomos. Compendió la filosofía de la escuela jonia al proponer un principio no físico director, junto a una base materialista de la existencia.

Los sofistas fueron un grupo de filósofos que se dedicaron sobremanera a enseñar a los jóvenes de Atenas. Pero su fama no era demasiado buena entre los ciudadanos. Profesaban el relativismo, es decir, no admitían verdades absolutas en lo referente a los asuntos éticos, políticos y religiosos, y cobraban por su enseñanza, algo mal visto por los griegos en aquellos tiempos.

Los presocráticos coincidieron en el intento de ofrecer una explicación racional del Universo en lugar de hacerlo mediante mitos, que si bien daban una respuesta al origen del mundo y de la vida, eran en sí historias fabulosas y fantásticas de dioses antropomórficos que poco tienen de real y de concreto. Tales explicaciones se limitaban, frecuentemente, a la postulación de un primer principio o elemento de todas las cosas existentes.

Ahora bien, sobre cuáles eran dichos principios y de qué naturaleza, sus ideas diferían bastante. Para algunos, el principio podía ser cualquiera de los llamados “cuatro elementos” (tierra, agua, aire y fuego), mientras que para otros, se trataba de los cuatro elementos considerados conjuntamente más otros dos principios: el amor y la lucha. Para otros presocráticos, en cambio, existía un único principio que podía ser una sustancia infinita o indeterminada, o bien el pensamiento e incluso el ser.

Es decir, Los presocráticos fueron los primeros pensadores que quebraron con las formas míticas del pensamiento, para comenzar a edificar una reflexión racional y así desarrollar una explicación más innovadora y critica sobre la realidad.

Los filósofos griegos (sus aportaciones).

Como dije anteriormente la filosofía desarrollada en Grecia es en sí una gran aportación ya que da paso a muchas de las concepciones filosóficas posteriores, aparte de ser los iniciadores de varias corrientes que se desarrollaron en sus escuelas, de alguna manera fueron los primeros materialistas(Tales de Mileto, Anaximeno, Anaximandro) , también incursionaron en el idealismo, su corriente opuesta(Platón), de igual forma hubo moralistas(Heráclito de Hefeso), todos ellos tratando definir la esencia del mundo y del hombre en diferentes sentidos.

La Mítica como forma de Ser Original del Pueblo Griego

Una constante que se encuentra en el origen histórico de todos los pueblos es el desarrollo de una literatura (primero oral) mítica, como parte de su evolución cultural y producto de interrelaciones de los diversos aspectos religiosos, sociales, políticos y económicos. Pero dicha mítica no se origina, en una determinada cultura, como creación literaria (valga decir, fantasiosa): la hoy muy famosa literatura griega fue considerada en su tiempo como realidad, como historia, como forma de ser real propia de las relaciones, oficios, profesiones y virtudes del pueblo griego. La manifestación mítica de aquella cultura fue la esencia de sí misma: no podríamos comprender las primeras manifestaciones históricas de los griegos si mutilásemos el amplio abanico de su realidad mitológica. Es tal vez por esto que la mítica griega fue considerada por siglos como su «historia», y que la historia, como ciencia, en sus primeras manifestaciones. Así las cosas, es entendible por qué reyes y personas de cierto carácter son presentados, a la posteridad, divinizados, ayudados directamente por ciertos dioses, o condenados por otros a su Destino…

En este contexto, encontramos citado al rey Minos, tanto en la Historia  como en la mítica y el mito del Minotauro.

La Mítica Griega como Fruto del Filosofar Preclásico

Dicha actitud del filosofar fue, seguramente, la propia de aquellos que se dedicaron a argumentar lo que hoy conocemos como mitos griegos. La literatura clásica griega es solamente la concretización material de todo un quehacer intelecto religioso que se iba fundiendo, durante siglos, gracias a una cierta racionalización de su realidad (socio-política y religioso-económica). Así como la realidad natural permitió la elaboración de pinturas (los jabalíes y bisontes de Altamira), también, de la realidad misma se elaboraron las primeras creaciones literarias, gracias a un proceso de racionalización, Sin embargo, la duda puede asaltarnos al analizar que, por ejemplo, la pintura rupestre no fue elaborada con una estructura simbólica sino que, como puede inferirse, sólo fue copiada de la realidad a la pared, mientras que la mítica griega conserva una seria estructura formal y simbólica que las diferencia.

La filosofía, cuyos orígenes en Occidente era una realidad cotidiana, o ya estaba desarrollada como capacidad natural del hombre (y en alto grado) en el hecho mismo de la elaboración mental oral de la mitología griega, seguramente más allá del siglo XII a. C.

Si se puede explicitar lo que la mítica griega guarda, como parte de su esencia, a saber: una estructura literaria, semiológica e inclusive social. Así se demostraría que la filosofía, no como ciencia clásica y especializada, ni tampoco en el otro extremo como actitud terriblemente natural, sino como pre-juicio en el sentido, como actitud humana natural, inició a desarrollarse mucho antes de lo que hasta ahora se ha expuesto en la historia de la filosofía, generándose u originándose como una posible filosofía de la literatura y que podríamos nominar algo así como un filosofar preclásico.

Filosofía presocrática: conjunto heterogéneo de filósofos y escuelas filosóficas griegas anteriores a Sócrates

Filosofía cosmológica: preocupación por el tema de la fisis como único arché (s. VII a V a. C.)

Filósofos monistas: los filósofos fisiólogos y los monistas, consideran que a la base de toda la realidad se encuentra un único principio. En este grupo habría que incluir a los filósofos de Mileto (Tales, Anaximandro y Anaxímenes), Heráclito y Parménides;

• Escuela milesia (milésica o jónica): Tales (fundador): agua|Anaximandro: ápeiron|Anaxímenes: aire
• Escuela de Éfeso: Heráclito: fuego, reivindicación del devenir
• Escuela de Elea: Jenófanes de Colofón: crítica al antropomorfismo religioso|Parménides: defensa del ser|Zenón de Elea: aporías en contra de la multiplicidad y el cambio

Filósofos pluralistas:

• Escuela pitagórica: Pitágoras|Alcmeón|Hipócrates de Quíos|Arquites de Tarento|Empédocles: agua, aire, tierra y fuego; amor y odio|Anaxágoras: homeomerías; noûs
• Escuela atomista: Leucipo|Demócrito

2) Filosofía antropológica: El hombre como preocupación básica (s. V a. C.)

• Movimiento sofista: escepticismo y relativismo: Protágoras de Abdera|Gorgias de Leontino
• Sócrates: intelectualismo moral y objetivismo

3) Filosofía globalizadora y sistemática: preocupación por todos los temas filosóficos, por la realidad en su conjunto (s. IV a. C.).

• Filosofía clásica: filosofía correspondiente al llamado Siglo de Pericles, momento en que esta disciplina llega a su máximo apogeo en el mundo griego. Sócrates, Platón realista y fundador de la Academia y Aristóteles (fundador del Liceo).

4) Filosofía helenística: Preocupación por los temas morales, búsqueda de la manera de ser feliz finales del (s. IV a. C.) al (II a. C.)

Estoicismo: la virtud como bien supremo; la apatía, Zenón de Citio|Epicureísmo: hedonismo, Epicuro de Samos|Escepticismo: escepticismo, Pirrón de Elis

Filosofía helenística: También llamada alejandrina o posaristotélica. Se trata de la filosofía que florece durante el “período helenístico”.

Académicos: continuadores de la Academia platónica.

Peripatéticos continuadores del Liceo aristotélico: Estratón de Lampsaco|Aristoxeno|Sátiro

Estoicos (antigua y media Estoa):Zenón de Citio|Cleantes|Crisipo

Epicúreos: Epicuro (fundador del epicureísmo en el Jardín y también atomista)

Escépticos: Pirrón|Sexto Empírico

Cínicos:Antístenes|Diógenes de Sinope|Crates de Tebas|Hiparquía

Megarenses o megáricos:

Cirenaicos: >Aristipo de Cirene

Helenismo judío: Filón de Alejandría (Vida contemplativa)

Neoplatonismo:Amonio Saccas|Plotino|Porfirio|Jámblico|Edesio de Capadocia|Plutarco de Atenas|Proclo|Damascio|Simplicio de Cilicia|Hipatia

Como se denota en la figura que se muestra a continuación, el imperio griego se extendió del 330 a 146 A.C, en cada uno de sus periodos se realizaron descubrimientos e invenciones significativas cuya influencia en los diferentes campos del que hacer humano tales como el arte, la ciencia, la matemática, la ingeniería y la filosofía entre otros, son palpables aun en la actualidad.

Los helenos como también se les ha conocido a los griegos, aportaron al mundo un gran número de filósofos, historiadores, escritores, artistas, inventores y pensadores entre los cuales cabe mencionar algunos de los nombres mas conocidos: Hipócrates, Arquímedes, Herón de Alejandría, Etesias, Tolomeo, Metón y Euctemon, Pitágoras, Anaximandro, Platón, Aristóteles, Homero, Sófocles, y el mismo Alejandro Magno son solo algunos de los protagonistas de las miles de invenciones y aportes que esta antigua civilización nos lego.

A continuación enumeraremos algunos de los tantos muchos aportes según los pensadores griegos y su campo al que corresponden

HIPÓCRATES

Durante la Grecia Clásica se consideraban que las enfermedades eran castigos divinos, hechicería o que se trataba de hechos sobrenaturales.  Gracias a su visionario pensamiento Hipócrates de  Cos implementa el concepto de que las enfermedades no tienen origen divino sino que sus causas se encuentran en el ámbito de la naturaleza, pensamiento que lo lleva a ser el fundador de la Escuela Hipocrática. Entre las aportaciones de la medicina hipocrática destacan la consideración del cuerpo como un todo, el énfasis puesto en las observaciones minuciosas de los síntomas y la toma en consideración del historial clínico de los enfermos. En el campo de la ética de la profesión medica se le atribuye la creación del Juramento hipocrático juramento realizado por los médicos en su ceremonia de graduación.

ARQUÍMEDES

Uno de los mayores genios de la antigua Grecia fue Arquímedes quien hizo muchos diferentes   aportes a esta antigua civilización y que por ende lego al mundo entero. Entre sus miles de descubrimientos podemos citar los de mayor importancia para la humanidad: descubrió la ley de la palanca y la transformo en un teorema: “dos pesos iguales a distancias iguales se equilibran”.    Descubrió el principio hidrostático (principio de Arquímedes) gracias a una incógnita planteada por el rey Herón  II.  Invento  entre  muchos  artefactos  el  famoso  tornillo  de Arquímedes uno de los aportes que desde su invención hasta ahora, se ha utilizado para el bombeado de fluidos, en sistemas hidráulicos y en la minería. Es importante mencionar que sus hallazgos en torno a la geometría se recuperan en el siglo XIII en Europa Occidental, pero no es hasta el XVI cuando los matemáticos tuvieron la capacidad para entenderlos.

HERÓN DE ALEJANDRÍA

Su mayor aporte es la invención de lo que se considera la primera máquina térmica que transforma energía térmica en energía mecánica: la máquina de Herón o Eolípilo. Asimismo, Herón inventa un “odómetro” aparato para contar el número de vueltas de una rueda o mejor dicho para medir distancias que ayudo a revolucionar la construcción de carreteras. También se le atribuye la creación de los Barulcos, un aparato para levantar pesos a base de poleas y engranajes.

CLAUDIO TOLOMEO

Quizás una de las contribuciones más significativas de este astrónomo y geógrafo griego esta relacionada con la creación del mapa del mundo, el cual se baso en sus investigaciones y en su libro “Geografía”, no podemos decir que su modelo haya sido 100% acertado pero el hecho de utilizar líneas longitudinales y latitudinales para describir la ubicación de varios lugares importantes del mundo antiguo fue su mayor aporte en este campo.

ANAXIMANDRO

Como la mayoría de los pensadores griegos, Anaximandro se dedico a múltiples investigaciones que le llevaron a la afirmación de que la tierra es esférica y que gira en torno a su eje. También se le atribuye el trazado de un mapa terrestre, además de otros trabajos como la fijación de los equinoccios y los solsticios, y el cálculo de las distancias, los tamaños de las estrellas, así como la elaboración de un reloj de sol y de una esfera celeste.

PITÁGORAS

Quizá uno de los filósofos más conocidos en el mundo entero gracias a su gran aporte matemático: el Teorema de Pitágoras, el cual establece que en un triangulo rectángulo, el cuadrado de la hipotenusa es igual a la suma de los cuadrados de los dos catetos. Aunque este no sea considerado un aporte tecnológico directamente es una de las bases mas importantes para otras ciencias contemporáneas como la física.

OTROS APORTES

El interés de los griegos por la navegación los llevo a construir el primer faro de la historia que fue realizado alrededor del año 300 A.C. en la isla de Faros en Alejandría, el cual sirvió como punto de referencia del puerto y luego como faro.

Debido a que su territorio estaba comprendido por islas los griegos se convirtieron en grandes constructores de puertos y en el caso específico de la isla de Samos edificaron un gran rompeolas y un malecón para proteger la bahía. Otra gran obra importante para la ingeniería dentro de esta misma isla fue la construcción del túnel de Eupalinos el cual fue excavado a través de un monte de 300m de altura, por el cual se llevaba agua y tuberías de arcilla a la ciudad.

Sus aportes en el ámbito de los recursos hídricos principalmente para uso urbano incluyen la explotación de aguas subterráneas, la construcción de acueductos para el abastecimiento de agua, los sistemas de alcantarillado de aguas residuales, la protección contra las inundaciones y de drenaje, construcción y utilización de fuentes, baños y otras instalaciones sanitarias.

Estos son solo algunos de los inventos, descubrimientos y aportes de esta civilización que si bien es cierto, su legado en cuanto a tecnología no fue tan notable como el de otras civilizaciones, nos proporciono una serie de pensadores y filósofos quienes fueron los que establecieron los cimientos de la ciencia y matemática moderna a través de sus múltiples investigaciones, las cuales tuvieron un gran impacto en el mundo moderno. Inclusive, la etimología de muchas de nuestras palabras cotidianas provienen de su idioma, y su influencia en el arte, arquitectura, ingeniería y política es notoria.

BIBLIOGRAFÍA

Guzmán Vidal, Gerardo. Retratos de la antigüedad griega, Editorial Universitaria. Chile, 2001. 225p.

Spielvogel, Jackson. Civilizaciones de Occidente. Editorial Thomson International 5th edition. 2003 416p.

La stoa de Átalo restaurada, Atenas

La Arquitectura en la Antigua Grecia es aquella que se desarrolló desde el primer milenio antes de Cristo hasta el siglo II a. C. Reviste particular importancia para la historia de toda la arquitectura occidental.

La arquitectura griega sienta las bases de lo que será la arquitectura del mundo occidental durante siglos. La codificación de la edad arcaica en tres órdenes estéticos conforme a los cuales construyeron los antiguos griegos (dórico, jónico y corintio) se convertiría con el helenismo en un lenguaje compartido por todo el mundo mediterráneo.

Las principales características de la Arquitectura Griega son:

• Es una arquitectura fundamentalmente adintelada, aunque conocen la bóveda no la utilizan.
• Es monumental, pero no colosal como Egipto.
• Es muy equilibrada en cuanto al trazado de su plantel esforzado es una fácil lectura proporcionada por qué todo este hecho con una medida, con un canon.
• Es fruto de un trabajo en equipo, lo que hace que sea una arquitectura de una gran perfección, con mucha armonía. Esto fue conseguido principalmente en la época clásica. Al ser una arquitectura armoniosa es una arquitectura bella.
• El material es fundamentalmente la piedra y dentro de ellas el mármol es la preferida, pero también se utilizaron otros materiales. En un principio se utiliza la madera o la mampostería, recurriéndose a un enlucido hecho de polvo de mármol que luego se policroma, aunque esta policromía se ha perdido. El color era menos fuerte en el mármol que en otras piedras. El aparejo es con una sillería regular y uniforme.
• Va a llevar siempre elementos decorativos: cenefas, rosetas, ovas, perlas, palmetas…

Materiales

Los materiales frecuentemente empleados en la arquitectura griega fueron la madera, para soportes y techos; ladrillo sin cocer para las paredes, especialmente de casas; la piedra caliza y el mármol, para columnas, muros y porciones elevadas de los templos y edificios públicos; la terracota, para ornamentos; y metales, especialmente el bronce, para detalles decorativos. Los arquitectos de la época arcaica y clásica usaron estos materiales constructivos para edificios: religiosos, cívicos, domésticos, funerarios y recreativos. El adobe se reservaba para las construcciones más pobres y sin importancia.

En cuanto a las tejas, ha de recordarse que los restos más antiguos de la Grecia arcaica están documentadas en un área muy limitada en torno a Corinto (Grecia), donde las tejas fueron sustituyendo a los techos de paja en los dos templos, de Apolo y de Poseidón entre los años 700 y 650 a. C. Se expandió rápidamente, durante los cincuenta años siguientes, usándose en un elevado número de lugares alrededor del Mediterráneo oriental, incluyendo la Grecia continental, el oeste de Asia Menor, y el sur y el centro de Italia. Las primeras tejas tuvieron forma de S, y eran bastante abultadas, con un peso de unos 30 kilos cada una. Resultaban más caras y costosas de producir que un tejado de paja, por lo que su introducción se explica por la resistencia al fuego, que daba la necesaria protección a los costosos templos.

La expansión de la cubierta de teja debe verse en relación con el simultáneo auge de la arquitectura monumental en la Grecia Arcaica. Sólo los muros de piedra que estaban apareciendo por entonces, reemplazando a las precedentes paredes de barro y madera, eran suficientemente fuertes para soportar el peso de una techumbre de tejas.

Finalmente, no puede olvidarse que el aspecto general de los edificios era distinto al que se ve actualmente, ya que se pintaban con colores brillantes, de rojo, de azul, de tal manera que llamaban la atención no sólo por su estructura, sino también por su policromía.

Historia

Parte superior de la Academia Nacional Griega, en Atenas, mostrando el frontón con esculturas.

La mayor parte del conocimiento actual de la arquitectura griega proviene del período arcaico tardío (550 – 500 a. C.), la época de Pericles (450 – 430 a. C.), y el periodo puramente clásico (430 – 400 a. C.). Los ejemplos griegos son considerados junto a los períodos helenístico y romano (puesto que la arquitectura romana copió en gran medida a la griega), y fuentes escritas tardías tales como Vitrubio (siglo I). Como resultado, queda una fuerte tendencia hacia los templos, los únicos edificios que sobreviven en un número significativo.

Período arcaico

Es la primera etapa. Tiene varias fases. Comienza a principios del primer milenario antes de Cristo y se cierra en el primer tercio del siglo V.

La arquitectura, definida como edificaciones ejecutadas según un diseño estético consciente, desapareció de Grecia desde finales del periodo micénico (alrededor de 1200 a. C.) hasta el siglo VII a. C., cuando la vida urbana y la prosperidad se recobraron hasta el punto de poder emprenderse la edificación pública. Pero a partir de entonces muchos edificios griegos durante el periodo de las colonizaciones (siglos VIII – VI a. C.), se hacían de madera o adobe o arcilla, nada queda de ellos excepto unos pocos planos sobre el terreno, y casi ninguna fuente escrita sobre esta arquitectura temprana o descripciones de estos primeros edificios.

Alrededor del año 600 a. C., las columnas de madera del antiguo Hereo de Olimpia sufrieron una transformación material, conocida como «petrificación», en la que fueron reemplazadas por columnas de piedra. Poco a poco, otras partes del templo fueron petrificadas hasta que todo él estuvo hecho de piedra. Con la expansión de este proceso a otros santuarios, los templos griegos y edificios significativos desde el siglo VI a. C. en adelante, fueron construido en gran parte con piedra, y unos pocos ejemplos afortunados han sobrevivido a lo largo de los siglos. La introducción de paredes de piedra también permitieron que los tejados con techo de paja fueran reemplazados por tejas que actuaron como medio para mejorar la resistencia ante el fuego.

En esta época se usaba el orden dórico, incluso el jónico.

Ejemplo de la etapa de transición entre el período arcaico y el clásico es el templo de Poseidón, en Paestum, de planta rectangular, períptero y hexástilo.

Período clásico

Es la segunda etapa, que se corresponde con los siglos V y IV a. C.

Como la pintura y la escultura de la época, la arquitectura griega de la primera mitad de la Antigüedad clásica no era «arte por el arte» en el sentido moderno. El arquitecto era un artesano empleado por el estado o por un rico cliente privado. No se distinguía entre el arquitecto y el constructor. El arquitecto diseñaba el edificio, contrataba a los obreros y artesanos que lo construían, y era responsable tanto de su presupuesto como de su acabado a tiempo. No disfrutaba del estatus noble que tienen los modernos arquitectos de edificios públicos. Incluso los nombres de los arquitectos son desconocidos antes del siglo V a. C. Un arquitecto como Ictino, que diseñó el Partenón, que hoy en día sería considerado un genio, era tratado en vida tan sólo como un comerciante experto y muy valioso.

Supone el apogeo de los órdenes dórico y jónico.

Período helenístico

Es la tercera y última etapa del arte griego. Se extiende desde el siglo III a. C. hasta mediados del siglo II a. C., tomándose como fecha simbólica de cierre el año 146 a. C., cuando la ciudad de Corinto es conquistada por los romanos.

El peso del desarrollo artístico se trasladó hacia Oriente. En esta época se desarrollaron grandes construcciones en Pérgamo (Altar de Zeus), Rodas y Alejandría. De esta época es el Mausoleo de Halicarnaso.

Lo más destacado son los proyectos urbanísticos como los de Hipodamo de Mileto, con organizaciones en cuadrículas, ejemplo que fue seguido en siglos posteriores.

Se abandonó el severo estilo dórico.

En el periodo helenístico de la arquitectura griega se siguen haciendo todos los tipos de edificios vistos en el periodo clásico. Sin embargo, en la arquitectura helenística, se dan algunas novedades:

• Uso del corintio como canon más representativo.
• Mayor libertad interpretativa de la arquitectura.
• Mayor uso de la combinación de órdenes, pero siempre predominando el corintio, y se da la superposición.
• Especial desarrollo en Asia Menor.

El Olimpeion de Atenas
Fue construido en el s.II por Cossutius, un hombre de origen romano. Está casi destruido y tiene un gran carácter monumental. La calidad de los capiteles es muy grande. Según algunos estudiosos, no sé llegó a terminar y sólo se realizó hasta el entablamento, pero hay quien dice que sí. Adriano lo terminó (según la primera teoría) o lo restauró (según la segunda). Muchas de sus columnas fueron reutilizadas para edificios más tardíos.

El altar de Zeus en Pérgamo
Fue construido en el s.II por Eumenes II y Atalo II, dos reyes hermanos. Hoy se encuentra en el Museo de Berlín. Nos ha llegado principalmente su escultura y algunas columnas. Tenía unas grandes dimensiones. Altares como éste existían también en otros lugares. Se levanta sobre una escalinata y se cierra por tres de sus lados, dejando el lado occidental para la entrada. Está rodeado por columnas jónicas y en el centro es donde estaba situado el altar. La columnata se apoya sobre un podio con escultura.

El Faro de Alejandría
Ha desaparecido, se conoce principalmente por descripciones del mundo medieval y por los árabes. Es ejemplo de la expansión griega. Era una construcción vertical que constaba de tres cuerpos, en inferior cuadrangular, el intermedio octogonal y el superior circular.

La Torre de los Vientos
Se construyó en el s.I a.C., en el ágora romano de Atenas. Tiene una estructura octogonal y está realizado con sillares. Tiene relojes de piedra en el exterior y en el interior un reloj de agua. En la parte superior en cada uno de los laterales hay un relieve que representa a cada uno de los vientos. Tiene una cubierta cónica.

Estructura y estilo de los templos griegos

El templo es el edificio más significativo. Se construye según unos principios o normas, conocidos como orden o estilo, que están basados en la columna. Estos órdenes arrancan desde las raíces del arte griego: la raíz doria y la raíz jonia. A estos se les añade el orden corintio.

El dórico es un orden más sobrio que da una sensación de mayor pesadez. Se ha relacionado con el hombre, es el orden idílico.

El jónico es más fino y rico, se ha relacionado con lo femenino. El corintio es más ornamental.

Estos templos están situados en los grandes santuarios: Delfos, Eleusis, Atenas, Delos, Epidauro, Mileto, Éfeso. También hay en las polis, convirtiéndose en su centro.
El edificio está cerrado en sí mismo tipológicamente y también por lo que significa. Es la casa de la estatua del dios y por ello es diferente a los templos de otras culturas. En él no se hacen rezos ni celebraciones, es fuera donde se realizan los sacrificios.

La arquitectura griega clásica está representada, fundamentalmente, por templos, pues se desarrolló en torno a los santuarios, siendo los principales los de Olimpia, Delfos, Atenas, Eleusis, Delos, Epidauro, Mileto, Éfeso y Selinonte. El formato estándar de los edificios públicos griegos se conoce a través de los ejemplos supervivientes tales como el Partenón y el Hefestión de Atenas, el grupo de Paestum, el complejo de templos de Selinunte (Selinus) y los santuarios de Agrigento.

El templo era la forma más conocida y frecuente de arquitectura pública griega, pero no cumplía las mismas funciones que una Iglesia moderna. El altar estaba al aire libre en el témenos, a menudo directamente delante del templo. Los templos servían como depósitos de tesoros asociados al culto del dios al que se dedicaban, como lugar donde permanecía una imagen de culto a veces de gran antigüedad, pero a menudo desde los tiempos de Fidias era asimismo una gran obra de arte. El templo era un sitio para que los devotos depositaran sus ofrendas votivas, tales como estatuas, yelmos y armas. La habitación interior del templo, la cella, servía así principalmente como una cámara acorazada y una despensa. Puesto que no estaba pensado para alojar a los fieles, no precisaba que fueran de grandes dimensiones, ni tampoco elevarlos. Se concebían para ser vistos desde fuera.

El templo primitivo de los siglos VII y VI a. C. es de ladrillo y madera. Un ejemplo es el templo de Apolo en Corinto, que a pesar de estar construido ya en piedra, desprende una impresión de arcaismo las robustas columnas, muy próximas entre sí. La mayor parte de los edificios estaban hechos con caliza o toba calcárea, que Grecia tiene en abundancia, que se cortaba en grandes bloques y se preparaba. El mármol era un material de construcción caro en Grecia: el mármol de alta calidad sólo provenía del monte Pentélico en Ática y de algunas islas como Paros, y su transporte en bloques grandes era difícil. Se usaba principalmente para la decoración escultórica, no para la estructura, excepto en edificios muy grandes del período clásico como el Partenón.

El templo pudiera haber tenido origen en el megaron, sala rectangular precedida por un pórtico de columnas (stylos), existente en la casa micénica y que era la habitación más importante de la casa griega y santuario de los dioses familiares, tal como lo describe Vitrubio. En las invasiones y guerras, los ganadores derruían el palacio del rey vencido, pero respetaban el megaron puesto que era la casa del dios de la región. Así, el templo más antiguo era el in antis, que tiene todo el aspecto de ser una habitación que ha perdido la casa que tenía alrededor.

Son construcciones arquitrabadas que se alzan sobre una plataforma con gradas (krepis o krepidoma), llamándose estilóbato al último escalón. La planta definitiva del templo griego constaba de un local llamado cella, un espacio interior, de forma rectangular, que constituye el núcleo de la construcción. Tiene una sola abertura, la puerta, sin ventanas. A veces el templo tiene dos cellas, con las puertas en las fachadas principales, las más cortas, y en este caso cada cella suele estar dedicada a una divinidad distinta.

Delante de la cella estaba la pronaos o pórtico de columnas.

Al templo así configurado se le fueron añadiendo columnas delante, detrás o incluso rodeándolo por todos lados. Según cómo se coloquen las columnas, el templo se llama de distinto modo: in antis, el que prolonga los muros laterales de la cella hacia la fachada, cerrando el vestíbulo por los lados. Templo próstilo es el que tenía, además de las dos columnas conjuntas, otras dos enfrente de las pilastras angulares con lo que, en definitiva, presentaba cuatro columnas en la fachada principal; se le considera el de segunda especie entre los antiguos. Anfipróstilo es el edificio con pórtico y columnas en dos de sus fachadas, es decir, en la de delante y la de detrás; un ejemplo es el pequeño templo de Atenea Niké. Se dice períptero del templo clásico rodeado por columnas que deja paso entre estas y el muro, es decir, aquel con columnas en todo el perímetro; un ejemplo de templo períptero es el Partenón. Por último, díptero se llama al templo al que rodea una doble fila de columnas.

Tholos, en Delfos.

Tenían siempre en las fachadas principales (las más cortas) un número de columnas par, y dependiendo del número de columnas se llaman de distinta manera: cuando tiene cuatro, tetrástilo; si son seis, hexástilo; si son ocho, octóstilo; si fueran diez, decástilo y con doce, dodecástilo. De este modo, se marca el eje con un hueco. Las columnas de los lados, sin embargo, eran impares, habitualmente el doble que en las principales más una.

Se pueden encontrar, además, otras denominaciones en referencia a los templos griegos: hipetro quería decir sin techo; pseudoperíptero se llamaba al que tenía columnas adosadas en los lados; y áptero, al templo sin columnas.

En general, los edificios tenían planta rectangular, pero hay algunos casos de templos circulares (tholos). Monóptero era la denominación que recibía el templo circular. El ejemplo más conocido es el de Teodoro, en Delfos, dedicado a Atenea Pronaia.

Las columnas sostenían el entablamento sobre el que se alzaba la techumbre a dos vertientes. Este tejado dejaba a los lados dos triángulos (frontones) cuyo interior (tímpano) se decoraba. Los griegos techaron sus edificios con vigas de madera cubiertos con tejas de terracota y, ocasionalmente, de mármol. Comprendían los principios del arco de mampostería, pero hicieron poco uso de él, y no pusieron bóvedas ni cúpulas en sus edificios.

Con el tiempo, los arquitectos griegos fueron afinando las proporciones y los detalles de sus templos. Muchos consideran que el Partenón de Atenas, de los arquitectos Ictino y Calícrates, es el templo que mejor expresa el deseo de Belleza de los griegos.

En los templos griegos los ornamentos se circunscribían a unos espacios prestablecidos, de conformidad con el orden arquitectónico del edificio. Se decoraba en los capiteles, el friso y la cubierta. Quedaban lisos la basa, el arquitrabe y las paredes.

Al principio el templo recuerda a una de las estancias de los palacios micénicos, el megaron, y arrancando de esa estructura se va a ir desarrollando. La planta siempre es rectangular, orientada al este y formada por:

Naos o cella: es la estancia que guarda la estatua. Es alargada, en un principio no proporcionada pero luego sí. A veces está dividida por soportes, formando tres “naves” o espacios que en la parte la cabecera muchas veces se unen. Otras veces la columnata divide la naos en dos. En la mayoría de las ocasiones, las columnas son dobles, están superpuestas. Los muros de la naos muchas veces se prolongan sobrepasando la puerta, formando las anta(e). Hay una única puerta los pies, que es por donde entra la luz, ya que casi no hay vanos, sólo pequeñas ventanas en la parte superior de los muros.

Pronaos, un pórtico que precede a la naos.

Opistodomos, un falso pórtico (porque hay columnas pero no entrada) que puede haber en la parte posterior de la naos.

Adyton, una estancia que puede haber tras la naos (y en caso de que haya opistodomos, estaría entre este y la naos) y que está cerrada al exterior pero se comunica con la naos.

Las denominaciones que puede tener un templo son

Próstilo: cuando tiene pronaos.
Anfipróstilo: cuando tiene pronaos y opistodomos.
In antis: cuando tiene columnas entre las antae, lo más frecuente es que sean 2. Lo normal es que cuando se denomina de esta manera es porque no tiene columnas en la fachada
Períptero: cuando está rodeado de columnas exentas.
Díptero: cuando las columnas exentas que lo rodean son dobles.
Pseudoperíptero: si las columnas que lo rodean están adosadas.
Áptero: si no tiene columnas alrededor.
Monóptero: si es de planta circular.
Dístilo: si tiene dos columnas en el frente o en la parte de atrás (normalmente son un número par, pero también hay algunas excepciones).
Tetrástilo: si tiene 4.
Hexástilo: si tiene 6.
Octástilo: si tiene 8.
Decástilo: si tiene 10.

La cubierta exterior es a dos aguas. Está realizada a base de tejas planas con una pequeña teja curva en las junturas. Estas tejas sirven para embellecer el tejado y para expulsar el agua lejos de los muros. En el tejado hay otros elementos: las gárgolas, con la misma función, las antefijas, piezas de cerámica policromadas colocada en un extremo del tejado para ocultar el extremo de una hilada de tejas y las acróteras, piezas que rematan los vértices de un frontón con un carácter meramente decorativo. El frontón corona el tejado. Es el lugar donde más frecuentemente se incorpora la escultura. Suelen ser dos, uno en la parte delantera y otro en la posterior, pero a veces, al principio, sólo hay uno en la parte delantera, creándose una cubierta a triple vertiente.

Los principales templos clásicos

La Acrópolis
Conserva restos de templos jónicos y dóricos ya totalmente configurados. Su origen está en época micénica, en la que estaba amurallada y tenía un claro sentido defensivo. Resistió durante mucho tiempo, pero en el 480 a.C. fue destruida por los persas, acabando con las obras que ya se habían empezado.

Así, fue ya en época de Pericles cuando se reconstruye, convirtiéndose en santuario, aunque también había construcciones civiles. Junto a otros arquitectos, destaca Fidias, que dirige el conjunto y además es el encargado del Partenón, el edificio más importante. La acrópolis está amurallada y tiene una única puerta monumental al oeste, los propileos, aunque también había otras pequeñas puertas.

Los Propileos
Fue realizado en torno al año 437 a.C. por Mnesicles, al que también se atribuyen otras construcciones. Tiene su precedente en los propileos de la ciudad de Tirinto. Junto a ellos se proyectaron otros edificios que no se llegaron a terminar. Se mantiene poco en pie.

Están formados por una columnata exterior y otra interior, que son dos pórticos hexástilos de columnas dóricas. Entre estas dos fachadas se abre una galería central que presenta una columnata de orden jónico. La cubierta era plana, formada por casetones con estrellas doradas pintadas sobre un fondo azul imitando el cielo.

Las construcciones anejas eran parejas. El edificio de la izquierda fue una pinacoteca pero se perdió y el de la derecha y los de adelante sólo se llegaron a trazar en planta. La pinacoteca tenía una estructura similar a la de un templo, con un pórtico seguido de una estancia cuadrangular. En el extremo de la derecha se adelanta Atenea Niké.

El Partenón
Es el templo más importante de la Acrópolis. Se realizó en el 447a.C. , momento de esplendor de Pericles. Fidias dirige la obra y los arquitectos son Ictino y Calícrates: fue un trabajo en equipo. En realidad se había iniciado antes, pero los persas invadieron y arrasaron Atenas, por lo que hubo que reconstruirlo y se le dio una nueva traza en este año.

Ha sufrido muchísimas incidencias: fue convertido en iglesia bizantina, en mezquita, en arsenal de los turcos, en el s.XVII cayó una bomba que casi lo destruyó y en el s.XIX hubo un gran terremoto. Se ha rehecho y hoy lo podemos ver levantado, aunque las obras continúan. La gran mayoría de su decoración escultórica se encuentra en el Museo Británico.

Está dedicado a Atenea Partenos, de la que había una gran estatua criselefantina realizada por Fidias en la naos. Está realizado totalmente en mármol, hasta las tejas, a excepción de los dos primeros escalones del estilóbato. Supone la cima de la perfección de la arquitectura clásica. Se hicieron múltiples correcciones para evitar efectos ópticos no deseados y que están recogidas en un libro de Ictino. Por ejemplo, la línea del estilóbato tiene una ligera curva en las esquinas para no dar sensación de que el edificio se va a caer, aunque otros estudiosos dicen que es para que caiga mejor el agua: las columnas de los ángulos son ligeramente más gruesas para que a la vista todas parezcan iguales, aunque quizá fue para dar un mayor refuerzo; las líneas del frontón y de las columnas están ligeramente echadas hacia atrás para evitar la sensación de que se nos cae encima.

Su estructura es similar a la de otros templos. Es un templo dórico, octástilo, períptero y anfipróstilo, pero su opistodomos tiene una puerta que da a una estancia que es la única novedad que presenta el templo. Pese a ser dórico, tiene algunas notas que se corresponden con el orden jónico, con columnas jónicas en la cámara del interior y un friso corrido con relieves que aparece alrededor de la cella, aunque al exterior tiene triglifos y metopas como corresponde al dórico.

La cella está dividida en dos estancias: la del este es la que guardaba la escultura de Atenea. Está dividida en tres naves que no llegan al final sino que se unen tras el lugar que ocupaba la estatua. Las columnas que separan las naves son dobles superpuestas y la cubierta es adintelada. La estancia del oeste se conoce con el nombre del tesoro porque allí es donde se guardó, entre cuatro columnas jónicas no superpuestas, el tesoro de la Liga de Delos. Sin embargo, es una estancia relacionada con las jóvenes panateneas.

Las columnas laterales son el doble más una que las del frente, como en otros templos. Los últimos triglifos de cada lado coinciden en las esquinas, característica típica del orden dórico. La krepis es irregular para ajustarse a las irregularidades del terreno.

Templo de Atenea Niké
También conocido como templo de Niké Áptera o de la Victoria Áptera. Se encuentra en un promontorio adelantado en la parte sur occidental de la Acrópolis. Se dispuso construirlo con el tratado de paz con los persas, pero no se inició hasta el 427 a.C. , a cargo de Calícrates. Fue destruido en tiempos de los turcos y se tuvo que reedificar. Hace unos años lo volvieron a desmontar para poder restaurarlo totalmente.

Es un templo jónico, tetrástilo, áptero y anfipróstilo. En el entablamento tiene un friso corrido con relieves. Faltan los frontones, pero en su día los tuvo y con decoración escultórica. Las columnas son jónicas y los sillares regulares.

El Erecteion
Es uno de los templos más significativos, fue levantado en el 421 a.C. y su autor probablemente fue Mnesiclés.

Es un templo muy conflictivo en cuanto a su planta porque no guarda la regularidad de otros templos. Esto es debido a que el arquitecto se tuvo que ajustar a las irregularidades del terreno, a que está dedicado a Atenea Polias y a Poseidón o Erecteo, a que se conmemora el combate entre Atenea y Poseidón, a que es el lugar donde estaba enterrado Kekrops, un héroe griego que quizá fue el primer gobernante de la Acrópolis, y porque parte está construido sobre un templo anterior, el de Atenea Polias.

Es difícil de clasificar porque tiene una serie de entrantes y salientes. Es de orden jónico y es hexástilo. Es interesante por su escultura pero especialmente por su arquitectura. Hay una gran diferencia en el nivel del suelo.

Al este hay un pórtico hexástilo con columnas jónicas. A continuación aparece la cella de Atenea, que acaba con un muro de separación total con el resto del templo. La parte occidental está a un nivel más bajo. Encontramos en ella una cella dedicada a Poseidón y hacia el este dos cámaras separadas entre sí que se comunican con la cella principal (la de Poseidón). Esta cella tiene dos pórticos situados a distinta altura: El del lado norte, que sirve de acceso y que presenta columnas jónicas y es tetrástilo, porque aunque tiene 6 columnas, dos están retraídas. Al del lado sur, la tribuna de las cariátides, se accede por unas escaleras que se encuentran en la cella. Las cariátides son seis, dispuestas de igual manera que las columnas jónicas del pórtico. En el muro occidental de la cella hay una columnata jónica y hexástila que guarda equilibrio con el pórtico oriental pero cuyos intercolumnios están cerrados con un muro y la parte superior con una celosía.
Como conmemora el lugar donde se produjo la lucha entre Atenea y Poseidón, hay un olivo en el lado occidental, un tridente en el pórtico norte y una oquedad en el techo. Había escultura pero no se ha conservado. Las cariátides no tenían capitel jónico sino una especie de cestillo, ni un friso corrido como correspondería al orden jónico y el techo que sustentan está cubierto con casetones. Su antecedente está en las cariátides del tesoro de los sifnios.

Otros templos clásicos

El Teseion
Es uno de los ejemplos mejor conservados; ha tenido alguna reestructuración pero muy pocas. Es de orden dórico, algo posterior al Partenón, y se encuentra en Atenas, también sobre un montículo, pero no en el recinto de la Acrópolis.

Templo de Segesta (Sicilia)
Se encuentra dentro de un santuario, muy cerca de un teatro. Es hexástilo, períptero y dórico, pero no se llegaron a hacer las estrías y los fustes son lisos. Se han conservado algunas esculturas.

Templo de las Nereidas en Xanthos (Licia)
Tiene carácter funerario y se construyó a finales del siglo V (410-400) a. C. Este es un tipo de enterramiento poco habitual, de carácter monumental, estaba destinado a un príncipe de la región de Licia. Está concebido como un templete jónico, tetrástilo y períptero y está coronado por un frontón. Tiene decoración de relieves alusivos a batallas de este príncipe. Tiene un podio de piedra con 3 frisos paralelos cubiertos con relieves muy deteriorados, el inferior ni siquiera se conserva. Sobre el podio tiene una pequeña cella, el lugar del enterramiento. Entre las columnas del frente tiene tres esculturas de las nereidas, tres ninfas del mar que huían de Peleo, por lo que tiene un gran movimiento. Estas figuras serán antecedente del Mausoleo de Halicarnaso. Sobre las columnas no hay arquitrabe, está directamente el friso corrido.

Artemisón de Éfeso
Era un edificio arcaico que en el siglo IV se cayó y se reconstruyó siguiendo el modelo anterior.

Teatro

El segundo tipo de edificio griego en orden de importancia, después de los templos, son los teatros, siendo los primeros edificios en Occidente destinados a espectáculos. Cada ciudad griega contaba con uno.

Teatro griego en Epidauro

El Teatro de Herodes Ático, Atenas

Los teatros se usaban tanto para reuniones públicas como para interpretaciones dramáticas. Estas actuaciones se originaron como ceremonias religiosas vinculadas con el culto a Dionisos; evolucionaron hasta asumir su estatus clásico como la más alta forma de cultura griega en el siglo VI a. C.

Se construían al aire libre, sobre una colina en las afueras de la ciudad. Las gradas tenían forma semicircular y se asentaban en la ladera de un cerro. De esta forma aprovechaban la inclinación natural del terreno, para permitir que todos los espectadores vieran el escenario sin obstáculos y sin necesidad de alzar grandes y costosas estructuras arquitectónicas. Conseguían teatros que podían acomodar hasta 15.000 espectadores, cifra que aun hoy parece muy grande (los teatros actuales más grandes tienen menos, y ni siquiera los teatros romanos llegaron a ese tamaño). A este graderío semicircular se le llama Koilan, Cávea o theatron. A partir del siglo IV a. C. se realiza en piedra.

Las gradas estaban en torno a un círculo central, llamado orquesta (orchestra). Tenía el suelo de tierra. Allí se colocaban los músicos, se bailaba y se situaba el coro que relataba la acción de la obra y actuaban mientras los actores se cambiaban e incluso junto a estos. A veces en la orquesta se colocaba la thyméle, el altar del dios Dioniso.

El escenario quedaba detrás de la orquesta, y estaba cerrado por un sencillo muro. No obstante, con el tiempo se diferenció el proscenio (proskenion) y la escena (skené), actuando los actores en el primero y dejándose la segunda para almacén, vestuario y telón de fondo. En principio estaba al mismo nivel que la orquesta y luego se elevó.

En los laterales estaban los parodos o parodoi, pasillos que separaban el auditorio de la escena.

Es en la época clásica cuando los edificios de los teatros se fueron haciendo más importantes. Se considera que el más antiguo es el de Dioniso en la falda de la Acrópolis de Atenas, pues su construcción se inició en el siglo VI a. C. No obstante, su aspecto actual se corresponde con la transformación sufrida en el siglo IV, cuando la anterior construcción rudimentaria se sustituyó por otra de piedra equiparable a los de Delfos o Epidauro.

De los teatros que sobreviven prácticamente intactos, el más conocido es el de Epidauro, erigido por Policleto el Joven alrededor del 350 a. C. Es el mejor conservado, y en él se puede apreciar un espacio circular para el coro y el graderío sin divisiones. Ya en la Antigüedad fue considerado el más bello «por su armonía y belleza» (Pausanias). Cuenta con una acústica excepcional; tiene una capacidad para 14.000 personas.

Distintos de los teatros son los odeones (odeion), de menor tamaño, y destinados a recitales musicales. Tenían planta cuadrangular, con varias hileras de columnas soportando la cubierta, y varios pórticos. Entre los que quedan está el odeón construido cerca del teatro de Dioniso en la Acrópolis.
Los teatros aparecen tal y como los conocemos en el s.IV. Ya se construían antes, pero en el s.VII o VI no estaban configurados todavía. Los del s.V probablemente ya mostraban las partes de los del s.IV, pero se realizaban en madera y eran frecuentes los incendios, así que no se ha conservado ninguno.

Estaban apoyados en las faldas de montañas o colinas aprovechando el desnivel del terreno, pero también hay zonas realizadas de fábrica. Tienen una serie de partes fijas:

• Orkhestra: zona circular en la parte baja donde se colocaba el coro
• Skene: lugar delante del cual van a actuar los actores. Tiene columnatas y seguramente también tenían estancias en el interior
• Proskenion: a veces está delante de la escena, también en relación con los actores, donde esperan, donde actúan… Es posible que la parte baja fuera de piedra y la alta de otro material más endeble, por eso sólo conservamos las partes inferiores.
• Koilon: son las gradas, de forma semicircular. Las primeras filas estaban destinadas a los personajes más importantes y eran mucho más ricas, algunos asientos llegaban a ser verdaderos sillones, estaban realizados en mármol, solían llevar decoración y muy frecuentemente inscripciones.
• Parodo: pasillo y entrada para los espectadores, entre el proskenion y el koilon.

Muchas veces aparecen esculturas en la parte alta o en la parte de la entrada. Los teatros romanos van a ser muy similares, con sólo algunas notas diferenciadoras, como la forma de la orkhestra y de las gradas, que no se apoyan en una colina sino que todo es de fábrica, etc. Los teatros más importantes que conservamos son el de Delfos, Epidauro, Segesta y Priene, todos del s.IV.

Arquitectura militar

Los griegos defendieron desde antiguo sus ciudades con murallas, que dieron lugar a los recintos fortificados que llamamos acrópolis. Sin embargo, situándonos ya en el período helénico, las murallas aparecen en el siglo VI a. C., un hecho tardío, pues la población se refugiaba en las acrópolis o en una fortaleza en caso de peligro. Hay que tener en cuenta, además, que las fortificaciones eran tan caras en Grecia que superaban los recursos de las ciudades-estado.

Para evitar el gasto en murallas aparecieron otros elementos militares, tales como las torres defensivas.

Otros edificios

Monumentos funerarios

Los monumentos funerarios griegos, bastante sencillos en general ofrecían por lo común las siguientes formas:

• en Atenas, la de una simple estela con relieves de figuras
• en el Peloponeso, la de pequeño templete
• en Macedonia, se servían de grutas excavadas en la roca o en el suelo con bóvedas y pinturas
• en Asia Menor, templetes como en el Peloponeso o hipogeos como en Macedonia

Entre todos, fue notable por lo suntuoso el mausoleo de orden jónico adornado con relieves y estatuas que se elevó en Halicarnaso (Asia Menor) a la memoria de Mausolo, rey de Caria por su mujer Artemisa (siglo IV a. C.) de donde toman nombre los mausoleos. Otras veces quemaban a los cadáveres guardándose las cenizas en urnas o vasijas.

Edificios de utilidad pública

Entre los edificios de utilidad pública figuraban como principales después de los templos y los mencionados teatros:

Fachada de la Biblioteca de Celso, Éfeso, Turquía

• Las ágoras o plazas públicas rodeadas de pórticos y obras artísticas para reuniones civiles, mercados y asambleas.
• Las ciudades griegas necesitaban también al menos un bouleterión o cámara del consejo, un gran edificio público que servía como tribunal y lugar de reuniones para el consejo de la ciudad (boulé). Debido a que los griegos no usaban arcos ni bóvedas, no podían construir edificios con amplios espacios interiores. El bouleuterion por lo tanto tenía filas de columnas internas que sostenían el tejado (salas hipóstilas). No quedan ejemplos de estos edificios.
• Los gimnasios y palestras o edificios para escuelas, también con patios y pórticos, donde se practicaban los ejercicios físicos y concursos atléticos. Las ciudades griegas de cierto tamaño tenían al menos una palestra o un gimnasio como centro social para los ciudadanos varones. Son espacios cerrados perípteramente, pero a cielo abierto.
• Los estadios, con gradería recta a lo largo y semicircular en un extremo para carreras a pie y pugilatos. Estaba destinado a espectáculos de carácter deportivo. El estadio griego más antiguo es el que se encuentra en Olimpia. Medía 600 pies griegos, esto es, un estadio, pues la unidad de medida nació precisamente aquí. El de Atenas fue reconstruido en 1896 para la celebración de los primeros juegos olímpicos de la Edad Moderna. Quedan asimismo los de Delfos (sede desde 582 a. C. de los Juegos Píticos), Epidauro, Mileto y Pirene.
• Los hipódromos, semejantes a los estadios pero con cerramiento arqueado en ambos extremos y que se destinaban a carreras de caballos y carros. Quedan pocos restos de ellos.
• casas de fuentes (edificios en que las mujeres llenaban sus vasijas de agua).
• La Stoa/Στωα, un espacio amplio con una columnada abierta al costado, que se usaba para el ágora (centro comercial y cívico) en las ciudades griegas. Una estoa completamente restaurada, la Estoa de Átalo, puede verse en Atenas.
• Las fuentes en las que las mujeres recogían agua.

Casas y planeación urbana

Fuera de los edificios singulares, lo cierto es que las aglomeraciones urbanas en las ciudades-estado griega no debieron seguir ningún plan predeterminado. Las calles serían estrechas y tortuosas, con edificios apretujándose unos contra otros.

Se atribuye a Hipodamo de Mileto, que floreció a mediados del siglo XV a. C., la idea de un plano urbanístico regulador, basándose en la forma de cuadrícula o de rejilla, con las calles cortándose regularmente en ángulos rectos. No obstante, la aplicación práctica de este planeamiento sólo era posible en ciudades de nueva planta, como las que planeó para el Pireo y la colonia ateniense de Thuril.

Olinto, ciudad de fundación tardía, es un caso raro de ciudad clásica con trazado regular, presentando la influencia de Hipodamo en la uniformidad de las calles y los bloques. Fue en la época helenística cuando se cambió la orientación y se decidió seguir la regularidad del plano. Símbolo de este nuevo planeamiento es la reconstrucción de Priene, en Asia Menor.

Se reducía la importancia del Ágora, que quedaba encerrada por los cuatro lados. Y se desarrollaban otros edificios, siendo ejemplo de construcción pública de esta época la stoa de Atalo, donación de Atalo II, rey de Pérgamo, un pórtico gigantesco que dominaba todo el Ágora y que tenía el fondo lleno de tiendas.

En cuanto a la tipología de las casas, aunque había diseños variados, entre los siglos V y IV a. C. se popularizaron dos clases. Las casas típicas en Olinto durante este periodo y las del siglo II en Delos tenían habitaciones pequeñas distribuidas en un rectángulo alrededor de un patio interior con columnas. Un segundo tipo de casa se encuentra en Priene que también se centraba en un patio interior pero tenía una planta muy diferente. En lugar de una serie de pequeñas habitaciones, la principal zona de habitación era una gran sala rectangular que lleva a un porche con columnas. Abriéndose a los lados del patio había pequeñas habitaciones para la servidumbre, almacenes, y cocinas. Las casas del período helenístico tuvieron más diversidad. Por ejemplo, los ricos presentaban umbrales, columnas y entradas de mármol; los suelos con mosaicos representando escenas humanas o de animales; y paredes enyesadas modeladas para parecer piedra.

Otras construcciones de la arquitectura griega clásica

Los Tholoi
Son construcciones religiosas, no exactamente templos, pero su finalidad no está totalmente clara. Se solían construir en los grandes santuarios. Son circulares, se levantan sobre una krepis y tienen la cella cerrada con un muro con una sola puerta de entrada. Son perípteros y tienen también columna(s) en el interior. Hay una combinación de órdenes, que se va haciendo cada vez más frecuente.

Tholos de Delfos: es quizá el mejor conservado, tiene una columnata dórica en el exterior y una columnata corintia en el interior. Se encuentra en la parte más baja del valle del santuario de Delfos.

Tholos de Olimpia: es más grande, pero se conserva peor. Bajo el suelo hay una serie de anillos extraños como si debajo de la cella hubiera habido otra construcción

La Linterna de Lisícrates
Tiene un carácter conmemorativo, este tipo de construcciones aparecen especialmente en el siglo IV, ésta se realizó en el 334 a.C. Es el único que se conserva de los muchos que debía haber en Atenas. Servían para guardar los trípodes con los que premiaba a los autores y se encontraban en la Calle de los Trípodes que llevaba al teatro de Dionisos. Había muchos tipos distintos, pero sólo tenemos referencias. No se entraba en ellos.

Esta tiene una basa de piedra y sobre esto hay una estructura circular cerrada rodeada por columnas corintias (las primeras columnas corintias que aparecieron en el exterior de una construcción) adosadas. Son enteras, no medias columnas, los que se hizo fue rellenar los intercolumnios con el muro, quedando parte dentro y dando la sensación de que son sólo medias columnas. En la parte superior hay un friso con relieves. La cubierta es también de mármol y de forma jónica, y sobre ella se coloca un emblema floral que serviría de soporte para el trípode. También hay una decoración muy simple en bajorrelieve en el muro entre los capiteles.

El Mausoleo de Halicarnaso
Es una construcción perdida de Asia Menor de la que sólo se conservan restos de su escultura. Su antecedente está en el templo de las Nereidas y fue mandado construir en el 352 a.C. por Mausolos, pero a su muerte fue terminado por su mujer. Lo realizó Piteo (o Pytheos), pero también hay escultura de autores importantes, como Escopas.

Se conservan referencias: Era un edificio períptero y estaba coronado por una gran pirámide culminada por un carro con cuatro caballos dirigidos por Mausolos y probablemente también por su mujer.

Los Estadios

El de Delfos es el mejor conservado. Es del s. IV y se encuentra en la parte alta del valle del santuario. Se desarrolla en sentido alargado, las gradas suelen estar apoyadas en la falda de una colina, pero otras veces esto no sucede y todo es de fábrica.

Las gradas son alargadas, no muy altas y se accede a ellas desde la parte inferior. En uno de los lados es semicircular y el otro lado termina en forma recta, que es de donde salían los atletas (se han encontrado marcas). Este lugar también es la meta y detrás hay distintas estancias donde esperaban y se preparaban. Otro estado importante fue el de Olimpia, pero está peor conservado.

Órdenes de la arquitectura griega

Los griegos fueron quienes desarrollaron en mayor medida la función ornamental de la columna, elemento arquitectónico ya existente con anterioridad. Fueron ellos quienes fijaron unas normas o cánones de composición arquitectónica en tres estilos (u órdenes clásicos): dórico, jónico y corintio, aunque los dos primeros son los principales. Durante el período helenístico apareció el capitel compuesto. Posteriormente, los romanos asumieron esta tipología, aunque introdujeron algunas variantes.

La columna consta de basa, fuste y capitel. Sobre las columnas se asienta el entablamento, que consta de arquitrabe, friso y cornisa. Sobre las fachadas principales, formados por el tejado a dos aguas, están los frontones. Estos estilos se conocen sobre todo por los diferentes capiteles de las columnas, pero hay diferencias en la mayor parte de los elementos de diseño y decoración entre los órdenes, como la proporción alto/diámetro de la columna y las formas del entablamento.

Los propios griegos usaron los nombres de dórico y jónico, lo que reflejaba su creencia de que los estilos descendían de los griegos dorios y jónicos de la Edad Oscura, pero es improbable que esto sea cierto.

Orden dórico

El estilo dórico es el más rudo y se empleaba en exteriores, especialmente de los templos dedicados a los dioses varones.

Este estilo clásico responde a una de las dos raíces del arte griego, la doria, que está en relación con las culturas de los metales europeas.

Entre otros rasgos estilísticos, se caracteriza por un capitel de gran sencillez, formado por collarino, equino y ábaco cuadrado, así como por un friso en el que se alternan metopas y triglifos. Las columnas son esbeltas y carecen de basa. El estilo dórico era más formal y austero.

Se cree que tuvo su origen en las construcciones en madera, cuyas formas pasan a la piedra. Así, los triglifos responderían a las cabezas de las vigas transversales en las construcciones de madera.

El estilo dórico se usaba en la Grecia continental y de allí se difundió por las colonias griegas en Italia. La mayor parte de los templos que se conservan de época griega pertenecen a este estilo: el de Hera en Olimpia (600 a. C.), el de Apolo en Corinto (540 a. C.), los de Paestum (siglo VI a. C.), el de Apolo en Delfos (520-500 a. C.) y el Hefestión y los Propileos (437-432 a. C.) en Atenas. Se considera que el estilo culmina con el Partenón de Atenas (447-438 a. C.), templo octástilo y períptero. En su construcción participaron el arquitecto Ictino y su ayudante Calícrates. Destaca la decoración de sus frontones y del friso, obra de Fidias. Una explosión del año 1687 destruyó en parte este templo.

Orden jónico

El estilo jónico se empleaba en interiores o en exteriores de templos dedicados a divinidades femeninas. Resultaba elegante y refinado frente al dórico, por lo que se asociaba a con la gracia y delicadeza de lo femenino. Era más relajado y decorativo que el dórico.

Este segundo estilo clásico se relaciona con la otra raíz del arte griego, la jonia, en relación con Asia Menor. Se usó en las ciudades de Jonia (hoy costa occidental de Turquía) y algunas islas del Egeo. El orden jónico se hizo preponderante durante el período helenístico, pues es más decorativo y apropiado a la estética de este período que el más severo dórico. La documentación demuestra que la evolución del orden jónico se encontró con resistencias en muchos estados griegos, pues entendían que representaba el dominio de Atenas.

El rasgo más representativo de este estilo es el capitel con dos volutas o espirales encuadrando el equino. Del entablamento destaca el hecho de que el arquitrabe, que se muestra usualmente descompuesto en tres fajas horizontales, llamadas platabandas y que el friso sea una banda continua, sin metopas ni triglifos. Las columnas son más esbeltas y ocasionalmente son sustituidas por estatuas de muchachas llamadas cariátides, como ocurre en el Erecteión.

Al orden jónico pertenecen dos templos construidos en la Acrópolis de Atenas: el de Atenea Niké (427-424 a. C.) y el Erecteión. El Erecteión es un triple templo, con las cariátides jónicas. Algunos de los edificios helenísticos mejor conservados, como la Biblioteca de Celso, pueden verse en Turquía, en ciudades como Éfeso (templo de Artemisa) y Pérgamo. Pueden citarse los templos de Atenea Polias en Priene y el de Apolo en Dídima.

Pero en las grandes ciudades helenísticas como Alejandría en Egipto, no queda prácticamente rastro.

Orden corintio

Al igual que el estilo jónico, el corintio se empleaba en interiores o en exteriores de templos dedicados a divinidades femeninas. El estilo corintio, más ornamentado, fue un desarrollo tardío del jónico en el siglo V a. C.

Es el más ornamentado o recargado. Destaca como rasgo estilístico el capitel en forma de campana invertida o cesta, en cuya parte inferior hay una doble fila de hojas de acanto, de las cuales surgen unos caulículos o tallitos que se enroscan en las cuatro esquinas y en los centros.

Entre los templos de este orden, destaca el de Zeus Olímpico en Atenas (174 a. C.). También cabe mencionar la Linterna de Lisícrates en Atenas, monumento conmemorativo que fue encargado por el poeta Lisícrates para exponer el trofeo obtenido en un certamen de teatro.

Para comprender correctamente la organización social y política en grecia, debemos separarlo en 2 partes:

ATENAS

Los griegos o helenos se organizaron en ciudades independientes (polis) que eran propietarias del territorio circundante. Estas ciudades de la antigua Grecia adoptaron, inicialmente, gobiernos monárquicos donde la autoridad del rey (basileus) estaba limitada por un Consejo de Nobles que impedía cualquier abuso del poder. El pueblo (demos) no intervenía en el gobierno, pero existía la costumbre de reunirlo en Asambleas para conocer su opinión ante problemas importantes. Este gobierno monárquico evolucionó, en muchas ciudades de la antigua Grecia, hacia formas aristocráticas cuando los Consejos de Nobles impusieron su autoridad al rey.

Los nobles trataron de ir debilitando el poder real, consiguiendo sustituir al rey por varios magistrados (arcontes) elegidos anualmente entre los miembros de la nobleza. El gobierno ateniense se transformó así, en una oligarquía, o sea un gobierno en que el poder dependía e unas pocas personas, la aristocracia (aristos = mejores + cratos = gobierno)

El primer paso fue el nombramiento de un arconte polemarca, a quien se le confió la dirección del ejército, el arconte epónimo estaría encargado de asistir al rey en lo relacionado con el gobierno interior de la ciudad; finalmente se nombraron seis arcontes más, los tesmotetes que debían actuar como jueces

La oposición entre el poder del rey y el de la nobleza provocó, en algunas ciudades, el surgimiento de Tiranos. Estos eran caudillos que obtenían el poder por medio de la fuerza y lo ejercían apoyándose en las clases más pobres a las que le otorgaban beneficios.

Las “Ciudades –Estados” griegas tuvieron gran trascendencia política en el Mundo Antiguo porque en ellas fue desarrollándose la idea de que el gobierno debía ejercerse con la participación activa de la población (democracia).

La población de la antigua Grecia de las primeras épocas, se dividió en tres clases sociales:

a) Los nobles, grupo preponderante y militarizado.

b) Los hombres libres, grupo mayoritario integrado por artesanos, ganaderos o labradores independientes.

c) Los jornaleros, generalmente eran los extranjeros o los vencidos, que ocupaban los rangos inferiores.

La familia constituía la célula social fundamental y se organizó bajo la autoridad absoluta del padre. La mujer en la antigua Grecia ocupaba un lugar secundario, totalmente dedicada a las tareas del hogar, incluido el hilado, el tejido y la educación de los hijos.

El clima templado y las escasas lluvias permitieron que las viviendas fueran sencillas, de ladrillos y con piso de tierra. La vestimenta se limitaba a una túnica y a un manto que se solía agregar como prenda de abrigo en invierno.

La fuente de riqueza y la ocupación de mayor relevancia de la población de la antigua Grecia era la agricultura. Cada familia trataba de autoabastecer sus necesidades de alimento, vestimenta, vivienda, utensilios, herramientas y armas. El desarrollo de la industria y el comercio fue irregular.

La riqueza generada por estas favoreció las clases urbanas, pero genero profundo malestar entre los campesinos, pues la importación de cereales precedentes de otras regiones cuya producción era má s barata significo una competencia ruinosa para los agricultores locales, quienes por la caída de los precios, se encontraban ante una gran crisis: para hacerles frente solicitaron prestamos a los nobles, concedidos con intereses usureros y con garantías de sus tierras e incluso de sus personas en caso de insolvencia. Sucedió así que muchos campesinos perdieron sus campos y quedaron convertidos en esclavos por deudas, mientras que las propiedades de los nombres se hacían aun mas extensas.

En algunas zonas y en distintas épocas (Civilización Micénica y Jonica) lograron una gran actividad e importancia con la influencia de Creta al principio y de Fenicia después.

Los pueblos de la antigua Grecia realizaron dos grandes movimientos colonizadores. El primero fue provocado por las invasiones de los dorios (siglos XII a. de C.) efectuándose sobre las islas del mar Egeo y las costas de Asia Menor. El segundo, mucho más amplio, se realizó entre los siglos VII y VI. a. de C. poblando de innumerables colonias las costas del mar Negro y del mar Mediterráneo.

Las causas de la colonización se debieron a varios factores:

a) El desarrollo de la navegación y al comercio que exigía la obtención de cereales y materia prima para la industria.

b) A las luchas políticas a nivel interno en las grandes ciudades de la antigua Grecia y a la penosa situación en que quedaban los grupos que habían sido vencidos, prefiriendo éstos alejarse de sus ciudades de origen.

c) A la aspiración de los grupos de inferior rango que deseaban obtener más cantidad de tierra fértil en propiedad.

Como consecuencia de estos factores en muchas ciudades de la antigua Grecia se organizaron movimientos migratorios que colonizaron las costas del Mediterráneo desde el mar Negro al estrecho de Gibraltar.

La colonización provocó profundas trasformaciones en el mundo helénico. El comercio y la industria se trasformaron en las actividades predominantes. Aumentó el número de la población, y surgieron nuevas clases sociales, con intereses contrarios, que lucharon entre sí y modificaron los sistemas políticos.

Ante las luchas sangrientas y continuadas, la aristocracia se vio obligada a hacer una concesión importante: el establecimiento de las leyes por escrito. Las leyes de Dracón significaron un gran progreso por el solo hecho de estar escritas, ya que anteriormente los eupátridas juzgaban de acuerdo a sus costumbre, fáciles de deformar; así se limito el derecho que poseían las familias nobiliarias a hacer justicia por su propia mano.

El primer período de la historia de la antigua Grecia es llamada “la época homérica” porque los dos poemas de Homero La Iliada y La Odisea, describen admirablemente la actividad política-militar, la vida social y los ideales de los helenos en esa época inicial. La Iliada relata la vida de los griegos en sus ciudades y campamentos militares. La Odisea los viajes marítimos y sus dificultades.

La situación de violencia que se vivía hizo entrar en razón a los partidos en pugna y se resolvió en común acuerdo nombrar como arbitro a un magistrado, que hiciera las reformas necesarias para asegurar la paz social. El ecuápritra Solón fue elegido arconte con plenos poderes

La obra de Solón comprende 2 partes: un dealivio de la situación de los deudores (reforma social) y otra de reorganización del gobierno de Atenas (reforma política).

La Asamblea (Ekklesía) estaba formada por todos los ciudadanos, sin distinción de nacimiento, y si función era hacer las leyes antes que éstas fuesen aprobadas por la Asamblea.

Luego el Ateniense Pisístrato se puso al frente del partido popular. Más tarde Clístines dividió Ática en un centenar de circunscripciones territoriales llamadas “demos” que constituían 10 unidades superiores “tribus”. Con las reformas Clístenes se inició en Atenas una era de tranquilidad, que favoreció el desarrollo del comercio y la industria, aportando a la ciudad una gran prosperidad.

Los principales magistrados de Atenas eran los Arcontes, quienes ejercían funciones de justicia y administración; y los Estrategas, en quienes estaba confiada la preparación del ejército en tiempos de paz y su dirección en tiempos de guerra.

El órgano más importante del gobierno ateniense era la Asamblea popular, que hacía las leyes, nombraba y vigilaba a los magistrados y resolvía todos los asuntos del Estado.

La intervención previa del Consejo de los 500, preparando los informes sobre los proyectos de ley, era la única limitación a la autoridad de la Asamblea, de modo que através de ella, el pueblo ateniense intervenía en el gobierno de la ciudad.

Esta es la gran diferencia entre la democracia ateniense y las democracias modernas; en estas el pueblo elige representantes para que gobiernen en su nombre. En aquella, el pueblo gobierna de modo directo. El tribunal de los heliastas: en Atenas la justicia se administraba por medio de tribunales populares. El Areópago era el más antiguo tribunal de Atenas

El pueblo ateniense estaba dividido en 3 clases:

Los ciudadanos: minoría de la población. Únicos que podían intervenir en la en la vida política.

Los metecos: eran los extranjeros. Debían servir en el ejército, pagar impuestos generales.

Los esclavos: Grupo más numeroso. Sobre ellos recaían los trabajos más penosos.

ESPARTA

Se caracterizó por el inmovilismo y tuvo fama de ser un régimen que conseguía el equilibrio entre los principios monárquicos, aristocráticos y democráticos,

La población se dividía en 3 categorías:

Los de pleno derecho eran una minoría de privilegiados que vivían en la ciudad y poseían las mejores tierras de la región.

Los periecos, los primitivos habitantes de la región antes de la invasión aquea. Normalmente eran reclutados para el ejército.

Los ilotas, tenían el estatus más próximo a la esclavitud.

Tal régimen se apoyó en 4 instituciones

La Diarquía: conformada por los reyes que gobernaban el ejército.

El Consejo de los Ancianos: formado por reyes y otros ciudadanos de las familias mas nobles mayores de 60 años.

La Asamblea: la formaban los espartanos de más de 30 años

Los 5 eóforos eran elegidos anualmente por la Asamblea, controlaban a los demás magistrados

Galeno, De temperamentis

(Siglo ll d.C.)

La escultura griega

 La escultura fue el mayor logro artístico en la antigua Grecia. Con esta manifestación artística los griegos acabaron con los convencionalismos de la representación plástica y se lanzaron, por primera vez en la historia de las civilizaciones antiguas, a la creación de imágenes a imitación de la naturaleza, con la intención de copiarla o incluso de embellecerla. Partiendo de las artes plásticas orientales precedentes y contemporáneas, los artistas griegos fueron capaces, con el tiempo, de liberarse de la tradición para representar figuras de gran verosimilitud. Crearon en definitiva un arte propio y original.

 Desde la antigüedad, la escultura griega ha sido un arte a imitar, gran parte de la producción plástica romana copió modelos griegos. El arte renacentista también se inspiro en el legado clásico, y finalmente los modelos neoclásicos, a partir del siglo XVlll, lo volvieron a poner en boga. Para la mayor parte de las personas el arte griego todavía es motivo de admiración  y satisfacción, pero, aún en la actualidad, muchos desconocen sus orígenes. Estos hechos contribuyen a distorsionar en cierta manera algunas características de la plástica de los antiguos griegos.

 Así cuando se habla de la escultura griega, se tiende a pensar en la estatuaria clásica y helenística y se olvida que la escultura griega pasó una etapa arcaica decisiva.

Algunas consideraciones sobre la estatuaria griega

  Cabe recordar que la policromía era una práctica habitual en la escultura y el relieve griego en piedra y terracota, ya desde la época arcaica, En segundo lugar, que fue el bronce, y no el mármol, el material más usado por los griegos, cuando menos en la época clásica. Finalmente, que algunas de las aportaciones más originales y realistas de los antiguos griegos, que tuvieron lugar en el helenismo, han permanecido casi desconocidos, ya que no fueron escogidos como modelos a imitar. En definitiva, el paso del tiempo y un problema de conservación ha legado de la escultura griega una imagen hasta cierto punto falsa (y hasta cierto punto parcial), que ha sido recreada hasta la saciedad. A nivel general, en ciertas épocas se uso la proporción de 7/8 cabezas además de el contrapposto buscando el equilibrio de las formas.

 La escultura griega presenta una característica común, que es la tendencia hacia el tratamiento realista de las figuras, inclusive buscando la perfección. Este se consigue hasta la época clásica y sobre todo en la helenística, pero esta tendencia es más que evidente en la época arcaica. De todos modos, el hecho de que las figuras (sobre todo las humanas) sean verosímiles, no signifique que se copie la realidad concreta. Esto ocurrirá hasta la época helenística, mientras que la época clásica el artista se basaba en la naturaleza pero de acuerdo con la estética del momento.

 Debe de mencionársela importante producción de figuras de terracota, usadas como ofrendas, que se depositaban en santuarios y tumbas. Se obtenían de moldeado libre, con la ayuda de tono ó el más usado que fue el uso de moldes. Estas terracotas estaban pintadas con colores vivos y generalmente mal conservados.

Periodo Arcaico

Inicios de la escultura arcaica: el estilo dedálico

 A lo largo del s. Vl a.C., son intensas las relaciones entre los griegos y egipcios. No es casualidad que se elaboren esculturas en piedra de grandes dimensiones. Antes del periodo arcaico, los siglos X y lX a.C. se realizó una escultura de un tamaño reducido hecha en diversos materiales (bronce macizo, marfil, arcilla, etc.), que representan a los dioses, figuras humanas y animales., con una finalidad votiva. No en vano es la época de la fundación de muchos de los grandes santuarios griegos antiguos. A lo largo del siglo Vlll a.C. se pone de manifiesto la influencia mediterránea oriental (sobre todo la Siria) en diversas manifestaciones artísticas, tanto a nivel técnico como temático y formal. Las figuras mas habituales son joyas, cerámica, figurillas y calderos votivos en bronce.

 A inicios del siglo Vll a.C, estas influencias orientales permiten loa constitución de estilos propios como el llamado dedálico, en Creta, que se propagó por el resto de Grecia, Entre los materiales más utilizados además de la arcilla, marfil, madera, bronce y metales preciosos, cabe destacar la piedra, para crear estatuillas exentas y altorrelieves representando divinidades, figuras humanas y animales mitológicos.

La primera escultura monumental: innovaciones y técnicas

 A partir de la mitad del siglo Vll a.C., después de las tentativas anteriores de esculpir de esculpir la piedra (generalmente piedra blanda local), se desarrolla una estatuaria en mármol, de tamaño natural o mayor, que revela la influencia egipcia. Sin duda en Egipto los griegos vieron una escultura de gran tamaño, con figuras sedentes o de pie realizadas en piedra dura.

 La escultura en estos materiales más duros exigía de un método de trabajo preciso y sistemático, así como de una no experta que no equivocara la maza. Las Islas Cícladas, además del Pentélico en el Ática, fueron las fuentes principales de aprovisionamiento.

 Las innovaciones durante la segunda mitrad el siglo Vll a.C.  e inicios del siglo Vl a.C., radican en la monumentalidad de la escultura, así como en nuevos materiales  y técnicas usados, y no tanto en el modelo representado. Se trata de figuras humanas representadas desnudas o vestidas, habitualmente de pie, la figura descansa sobre ambas extremidades, una de las cuales de encuentra en posición de avanzada para lograr una mayor estabilidad, otra características es que las manos están pegadas al cuerpo lo que revela la influencia egipcia, además de las manos cerradas, mostrando los nudillos, como las estatuas egipcias que sostiene un bastón.

 Modelos y funciones de la estatuaria

 En primer lugar es votiva y conmemorativa, y en segundo lugar es funeraria. No queda claro si algunas cumplieron la función de culto. La época arcaica, como dijimos, es la época de la aparición de los primeros templos monumentales en piedra, de ahí la aparición de las estatuas de culto. Esta vez siguieron siendo de madera, de mayores dimensiones y no muy diferentes a las del estilo dedálico.

 Otros modelos escultóricos eran los Kuros-un joven desnudo, de pie, con una pierna avanzada, los brazos dispuestos a lo largo del cuerpo  y un largo cabello trenzado-y la Koré, una joven vestida de características semejantes, tenían la función de ser ofrendas que servían de siervos permanentemente a la deidad, en sustitución de la persona que las dedicaba. En las tumbas no retrataban sino recordaban al fallecido.

La escultura arquitectónica

Esta responde esencialmente a la evolución general de la plástica griega. Tiene, sin embargo, una problemática propia y específica, derivada de adaptar esta escultura al espacio arquitectónico, principalmente las metopas y los frontones en la construcción del orden dórico y el friso continuo  del entablamento jónico. En el caso particular de los frontones, la base triangulas, no se presta fácilmente a la descripción de escenas coherentes ya que obliga a combinar (y de manera simétrica) figuras de tamaños diferentes  o dispuestas en posturas diferentes, por lo que la composición en los primeros edificios es mínimamente satisfactoria, poco coherente y haya poca unidad  de escala en las distintas figuras.

La madurez del periodo arcaico: materiales y técnicas

La documentación sobre la escultura arcaica se ve ricamente incrementada a partir del 570 a.C., gracias sobre todo al conjunto escultórico depositado por razones rituales  en  una fosa en la Acrópolis de Atenas, después de que esta fuera saqueada durante las guerras persas (480 a.C.).

  Respecto a los materiales, el mármol es sin duda , el más utilizado, si bien ya se ha dicho que el broce  y los metales preciosos representan un problema de conservación, por lo que la escasez de hallazgos no da fe de su uso frecuente en la época. Con los primeros trabajos en bronce se realizaron figuras macizas, pero ya e siglo Vl a.C. fue empleada la técnica de cera perdida, que permitía crear figuras huecas entre dos moldes de arcilla.

 En ocasiones las estatuas de mármol , en especial las femeninas  portaban adornos metálicos, lo cual les otorga un carácter un carácter policromo que era realzado aún más por el uso frecuente de la pintura, tanto las partes del cuerpo más destacadas (cabello, ojos, cejas , labios, vello púbico, etc.) como los vestidos. Incluso la piel masculina tenía con frecuencia una tonalidad oscura (rojiza o castaña), mientras que la femenina ara clara

 Evidentemente la pintura ha desaparecido en gran parte de las esculturas. Por último, cabe destacar las obras llamadas criselefantinas, realizadas en oro y marfil, de las cuales han pervivido fragmentos, como los hallados en Delfos.

 Aunque Ática concentre la mayoría de las creaciones artísticas y, por tanto, la mayor parte de los escultores, no todos eran atenienses. Algunos de los nombres se conocen porque en ocasiones están escritos en los pedestales de las obras, o bien mencionados en las fuentes literarias: Faidimos, Aristion de Paros, Gorgias de Esparta, Endoios, Filergos, entre otros. Inclusive los expertos pueden atribuirles obras no firmadas  y diferenciar los estilos personales.

 Innovaciones estilísticas

 En lo que respecta al prototipo del Kuros, se pone de manifiesto la tendencia hacia una representación anatómica más naturalista y volumétricas de la figura humana, sin que ello comporte cambio alguno en la postura ni mayor expresividad o sensación de movimiento. La llamada “sonrisa arcaica” no es una expresión de felicidad, sino un modo de representar la boca. Siguen usándose líneas convencionales para representar los músculos, pliegues y nervios del cuerpo pero, donde antes había una incisión. Ahora hay volumen. Por otro lado se supera el modelo escultórico según la cual se modelaba el antebrazo de frente, mientras que los nudillos permanecían de lado, en una postura anatomicamente imposible. A partir de este momento todo el conjunto es de perfil. De todos modos se ha advertido que con anterioridad que el realismo no es una prioridad para el artista arcaico, que pretende crear representaciones simbólicas del hombre y de la mujer más que réplicas de los modelos.

  Las proporciones de los Kuroi tienden hacerse más reales y gran parte de ellos observan el principio  según el cual la estatura de los hombres es, por lo general, siete veces mayor que la altura de la cabeza. Aún observando  esta regla, las alturas totales  de los Kuroi son dispares.

  En lo que refiere a la Korai, es evidente la ruptura definitiva con los modelos dedálicos. A lo largo del siglo Vl a.C. se hace patente una evolución en la representación del vestido, cuyos pliegues comienzan siendo convencionales, bidimensionales y acaban adquiriendo un mayor volumen, llegando incluso a insinuar la anatomía femenina, en general tiene una pierna avanzada como los Kuroi y en la mano se recogen parte del vestido o alguna ofrenda. Tiene dimensiones reales o bien semejantes a la realidad.

 Relieves arquitectónicos    

  En lo referente a los relieves arquitectónicos, hacia mediados del siglo Vl a.C. , uno de los frontones del templo de Atenea, en la acrópolis de Atenas refleja un avance considerable en la composición: en el centro, una pareja de leones descuartizando un toro; a la izquierda, Heracles luchando contra Tritón; a la derecha , un monstruo con triple torso humano y cola de serpiente, desde luego, tampoco en este caso existe un tema unitario, pero se ha reducido considerablemente las diferencias de escala . Además, las figuras, avivadas por una viva policromía (azul, rojo, verde, negro y amarillo), son ya existentes.

La etapa final de la escultura arcaica

Al final del periodo arcaico (entre 530 y 480 a.C.) se pone de manifiesto que el artista conoce perfectamente loa estructura del cuerpo humano. El cabello conserva gran parte de las características convencionales, pero es más corto, pero sin embargo falta que las estatuas cobren vida.

 La ruptura definitiva con la simetría y la rigidez del eje vertical no tardó en llegar, puesto que ya había dado pasos decisivos en este sentido. Poco antes del 480 a.C., se realizó el llamado Joven de Critios, hallado en la Acrópolis de Atenas, si bien similar al Kuros Aristódico, la posición no tiene nada que ver. El artista supo captar el movimiento de la pierna avanzada que determina la posición del resto del cuerpo, recurso que se llamará modernamente contrapposto. Así el peso del cuerpo se mantiene casi totalmente sobre la pierna izquierda, mientras que la derecha queda en reposo y con la rodilla ligeramente flexionada; la cadera se levanta  y el tronco y la cabeza se inclinan. De esta pieza hay que rescatar su estrecha relación con los prototipos de bronce.  El trabajo del cabello con incisiones más profundas, se asemeja a las esculturas en bronce, donde cualquier rasguño por ligero que sea se advierte con nitidez ( en el mármol, en cambio se necesita dar más volumen). Los ojos también están vacios como en las estatuas metálicas, que después se rellenaran con otros materiales

 Con respecto a las Korai. La disposición de las figuras no ha cambiado mucho pero el peinado y el vestido  se han hecho más rico y complejo. Tirabuzones con formas helicoidales y en zigzag caen por encima de los hombros y el pecho de las figuras femeninas y el flequillo se llena de rizos, Las telas de los vestidos se superponen y se acentúan las texturas. Las policromías se hacen patente en rostros , cabellos y vestimentas. Hacia finales del siglo la expresión de las estatuas se hace más natural y la típica sonrisa se remplaza por una mayor seriedad o calma. La anatomía de los cuerpos de hacen más femeninas y  más detallada.

Las figuras sedentes

 Otros prototipos escultóricos de esta época son las figuras sedentes, ya conocidas anteriormente, que representan en algunos casos  a la diosa Atenea y al dios Dionisos, y cuya finalidad es totalmente votiva. Otras estatuas femeninas sedentes tenían un probablemente un carácter funerario o sobre todo votiva. Se produjeron así mismo grupos escultóricos, que narran hechos heroicos, que han llegado ha nuestra época en fragmentos. Por último se creó el prototipo del dios Hermes, consiste en una pilastra lisa, en cuya parte superior se representa al dios y en el fuste los órganos genitales erectos. Este tipo tendrá una larga perduración.

  Innovaciones  estilísticas en los relieves.

  En lo que respecta al relieve arquitectónico los cambios son evidentes. Al final de esta época las composiciones son coherentes y reconocibles para el conjunto del frontón. La solución del problema se basa casi siempre en los principios siguientes: en la zona central se representan las divinidades, lo cual permite representar figuras de mayor tamaño que en el resto de la escena, en segundo lugar, la presencia de ángulos yacentes, lo que favorece las escenas de combate, y por último la representación progresiva del espacio intermedio obliga a utilizar figuras en distintas posturas.

Contrariamente le friso jónico, es el gran desarrollo longitudinal lo que dificulta la creación de representaciones coherentes, incluso cuando estas son independientes en cada uno de los cuatro costados. Más ello no fue obst5áculo para el escultor que realizó el friso de la cara norte del Tesoro de los Sifnios en Delfos (h. 525 a.C.)

 Las estelas sepulcrales

 Los mejores ejemplos de relieve no arquitectónico durante esta época son monumentos funerarios y votivos, especialmente las escenas sepulcrales atenienses, que se pueden empezar a datar a partir del 530 a.C. Se trata de losas verticales, estrechas y alargadas, coronadas por un capitel sobre el que se coloca la esfinge o, a veces, una Gorgona, aunque a partir del 530 a.C., y sin duda por la influencia jónica, el capitel y la esfinge se sustituyen por la palmeta.

 La superficie de la estela se decora generalmente con una figura masculina de perfil, labrada en bajorelieve  y pintada. Se trata la mayoría de veces de hombres desnudos, armados con lanzas o portando objetos propios de los atletas (como el disco), aunque a fines del siglo Vl a.C. aparecen también personajes con armamento completo y también ancianos acompañados de perro.

Periodo Clásico

 En 480 a.C. fue un año crítico para los atenienses, ya que se produjo el saqueo de la ciudad por parte de los persas. Al año siguiente los griegos lograron derrotarlos  y Atenas fue reconstruida. Esta época marca, además, el paso del arcaísmo al clasicismo. Hay que  tomar en cuenta que algunas de las consecuciones de la época clásica habían sido  experimentadas antes del 480 a.C. y que la ruptura que se presentó al final de la guerra contra los persas tuvo como resultado la adopción de las innovaciones, en lugar de volver a las fórmulas del pasado. Los prototipos de Kuroi y Korai dejan de realizarse y los escultores se arriesgan en fórmulas audaces, como el uso del contrapposto, la captación del movimiento o el interés de la representación de los pliegues de la ropa. En la época clásica sigue usándose únicamente el mármol como material lítico para la escultura, se utilizan los mismos instrumentos pero la técnica cambia. Ya no se dibujan las cuatro caras del bloque a esculpir, sino que los contornos trazados han de ser diferentes. En este momento los escultores realizan obras complejas, basándose  en dibujos y modelos de arcilla, muchos ellos de tamaño natural. Como en la época arcaica las figuras se policroman. Algunos detalles, como las armas, podrían añadirse en bronce.

  El material más utilizado sin duda alguna, es el bronce fundido bajo la técnica de cera perdida, aunque se conocen pocos ejemplos debido a su valor intrínseco como material susceptible a ser refundido.

  Se dispone de algunas copias que se repiten con algunas variaciones, pero no siempre se sabe quien realizó el original, ni cuando, ni si las copias son fieles.

El primer clasicismo: el estilo severo

 Las obras que han sobrevivido de la primera mitad del siglo V a.C. son escasa en comparación con el resto de épocas, ya que en esta etapa Grecia se reponía de las guerras persas o médicas. La austeridad de la escultura griega inmediatamente posterior  al arcaísmo le ha dado el calificativo de severo.

Subsisten los dos prototipos de hombre desnudo y de mujer vestida, pero cambia la función. Tienen una función conmemorativa  o bien divinidades concretas, en general, apolos jóvenes.  El cabello trenzado alrededor de la cabeza a modo de cinta será típico en esta época. El equivalente femenino  se llamará peplophoros por su vestido de peplos. Este es más pesado y tiene pliegues más austeros que el chitónque vestían las últimas Korai. Enel caso del Auriga de Delfos,  se le incrustó esmalte negro o piedras negras en los ojos. Además de tener restos de cobre en los labios y restos de  plata en la diadema.

 En el caso del Posidon o Zeus de Artemision, realizado entre 460 al 450 a.C., es una estatua de 2.09 m, representa al dios en una postura al realizar un movimiento enérgico, que deja claro la ductibilidad del trabajo en bronce y como se desarrollo el carácter expresivo gracias esta técnica, aunque todavía hay cierta rigidez en el torso, además de que los brazos poseen una proporción excesivamente alargada.. El tratamiento del cabello es poco profundo salvo en la frente donde los mechones  sobresalen unos sobre otros.

 El Discóbolo de Mirón (460 a 450 a.C), se conoce a través de las copias en mármol romanas. Presenta la limitación que prevalece el único punto de vista frontal  y la inexpresividad para la acción que se esta realizando.

 La escultura arquitectónica

 El templo de Zeus en Olimpia, erigido en el segundo cuarto del siglo V a.C., presenta un excelente ejemplo de las tendencias vigentes a principios del llamado periodo clásico.   

 En lo que se refiere a la composición de los frontones, la unidad temática y de escala, así como el equilibrio simétrico del conjunto basado en la figura que ocupa el eje de simetría del triángulo, están plenamente logrados. Lo único es el ritmo de la acción que es diferente el uno del otro.

Hay una tendencia a mostrar estados de ánimo, también en algunos relieves votivos.

El clasicismo pleno

 A partir del siglo V a.C. y bajo la percepción de Pericles, se realizaron las obras más brillantes del clasicismo pleno. Sin embargo, el artista, a nivel general esta más interesado en representar la proporción idealizada que la anatomía realista, aunque puede decirse que conoce bien la anatomía.

 Con respecto a la figura femenina la vestimenta se torna más compleja y decorativa, cuya intención es amoldar el vestido a la anatomía femenina.

 Fidias, arquitecto de Atenas

 Aunque de mano suya no se atribuyen las obras a Fidias, encargado de las obras de la Acrópolis, se la atribuyen los bocetos de importantes obras como la Atenea Partenos, en bronce, la Atenea Criselenfantina Criselefantino (del griego χρυσός chrysos, ‘oro’, y ελεφάντινος elephantinos, ‘marfil’), La estatua de Zeus, también criselefantina, la Atenea Lemnia, una amzona y un joven atándose una cinta alrededor de la cabeza, reflejan un estilo basado en actitudes pausadas, la expresión serena y una cierta solemnidad en el concepto.

 Las obras del Partenón

 Vale la pena destacar el movimiento encerrado en las figuras y la poca expresividad, que contrasta con la vivacidad alcanzada en el frontón oeste de Olimpia y también en obras inmediatamente posteriores, como los relieves de balaustrada del bastión de Atenea Niké, en la Acrópolis o el friso de Bassae.

El énfasis narrativo se ubica, lógicamente en el centro de la composición, pero, a diferencia de los precedentes inmediatos-Olimpia,Egina-, esta no se basa en la figura central que ocupa el eje de simetría, sino en la combinación de distintos personajes, mientras que el resto de las figuras se agrupan en conjuntos de dos o tres.

 Esta figuras eran exentas y en su mayoría estaban acabadas incluso en la parte posterior. El tratamiento de los ropajes da una sensación de adherirse al cuerpo, como si estuviera mojado o bajo un viento violento, además de la muestra completa del manejo del desnudo masculino.

  De noventa y dos metopas de Partenón, solo han llegado diecinueve, las cuales tiene un tratamiento diferente, posiblemente elaborados por manos diferentes pero bajo el diseño único de Fidias.

Los frisos del Partenón, que se extendían pos los cuatro costados de la naos, con una longitud de 120 m y representa el desfile panatenaica. Es un relieve muy bajo, una procesión de carros, jinetes y animales a pie conduciendo animales de sacrificio.

  Las obras de Policleto

  Policleto estuvo ocupado en el estudio de las proporciones del cuerpo humano, que se concreto en su obra Canon y se materializó en distintas esculturas de tamaño natural, en su mayoría atletas en bronce, los cuales no se conservan, solo sus copias en mármol romano. El Dorífono y el Diadúmeno son de las más conocidas.

 En estas dos esculturas el tratamiento anatómico de la figura responde a la del movimiento representado, músculos relajados y músculos tensos en el ritmo que corresponde y el cabello tratado con una plasticidad bastante alta.

 Los guerreros de Riace

 Estas esculturas, a diferencia de las copias en mármol, representa la idea completa de cómo serían los originales en bronce. Corresponden a un periodo cercano al 460-430 a.C., encontrados en un naufragio, su actitud es bastante semejante al del Doríforo de Policleto.

 A lo largo de la segunda mitad del siglo V a.C. se desarrollaron modelos de estatuas que fueron copiados hasta la saciedad en la época romana: amazonas heridas, diosas y dioses portando atributos religiosos, variantes de los prototipos atléticos y guerreros. Además de suma importancia al final de este siglo es la aparición incipiente retratística, así como la aportación de rasgos étnicos diferenciales, especialmente en Grecia Oriental y mucho más evidente en épocas posteriores.

Final del clasicismo

 La escultura exenta del siglo lV a.C continua con la estética del siglo precedente, pero incorporando la representación  plástica de emociones, así como un mayor naturalismo y el tratamiento de texturas y ropajes. Se representan ideas abstractas como la paz, o distintos estado de ánimo.

  La Obra de Praxíteles

  El Hermes de Praxíteles, muestra las tendencias de la primera mitad del siglo IV a.C., que en realidad es un conjunto escultórico, donde Hermes, mensajero de los dioses, juega con Dionisos niño, probablemente con un racimo de uvas hoy perdido. La mirada del dios, es nostálgica y tierna, rasgos nuevos para la época. La musculatura esta tratada con suavidad sin la dureza o angulosidad de Policleto, por lo que a esta curva se le denomina “praxiteliana”.

 Así mismo, este escultor incoorpora el desnudo femeninocomo tema. Su obra la Afrodita del Cnido, es la más admirada de la época. Esta figura esta en contrapposto , cubriendose el pubis  y sosteniendo sus ropas por encima de una tinaja destinada la baño-soporte-, como si hubiera sido sorprendida.

 El escultor Escopas

 Es contemporáneo de Praxíteles  y es conocido por representar posturas complicadas y contorsivas, así como la figura plástica de la emoción  y el dramatismo. Hacia el 340 a.C trabajo en la decoración del templo de Atenea Alea en Tegea, conservada solo en fragmentos y se le atribuye la Ménade danzante, del siglo lV a.C., ó orgiástica.

Lisipo, Prolífico escultor

Aporto los diversos puntos de vista en una sola pieza, sus obras son conocidas por las copias romanas, suponen la superación del canón de policleto-dándole mayor esbeltez-y tratamiento detallado de la superficia. El Apoxiomeno, cuyo contrapposto recuerda a las obras de Policleto, pero aquí no hay alternancia entre las partes entre las partes tensas y relajadas del cuerpo, ya que el joven ha sido captado en una pocisión casí anecdótica. Se le conocen las obras colosales como las del heroe Heracles y los retratos de Alejandro Magno, para quien trabajó, el Hércules Farnesio y Ares Ludovisi.

La Época Helenística

 Innovaciones formales y temáticas

 La época Helenística se inicia con la muerte de Alejandro Magno y su muerte, en el año 323 a.C. y a la desmembración de su imperio, es prolífica en esculturas originales, debido a la demanda de obras de parte de los diferentes reinos helenísticos. Estas obras fueron copiadas profusamente por los romanos. La característica general de esta época esta marcada por el naturalismo y la captación y plasmación de las emociones profundas.

 El arte helenístico se desarrollará hasta la conquista romana, en el año 31 d.C. en una variedad de tendencias a menudo originales y, en otros casos, fieles al pasado, o incluso eclécticas. Se destacan las escuelas de Rodas, Milo, Pérgamo,Neoática y Pérgamo.

El denominado género retratístico en la escultura griega

 A lo largo del siglo lll a.C. ya existe en la escultura un género retratístico que tiene como objetivo principal captar las características faciales y corporales  de personajes ilustres, así como sugerir la psicología, como es el caso de la estatua del orador Demóstenes, realizada por el escultor Polieucto alrededor del siglo lll a.C.

Los retratos se realizaban de cuerpo entero , aunque muchos de los bustos muestran solamente la cabeza.

Helenismo de tipo barroco

Entre mediados del siglo lll  y mediados del siglo ll a.C.se desarrolla una corriente tipo barroca, ornamental y con complejas composiciones piramidales para los grupos escultóricos, cuyas posturas muestran figuras atormentadas, musculaturas exageradas y actitudes dramáticas. El tema favorito. Las invasiones galas. El más renombrado es el altar de Zeus.

La corriente del rococó

 En el segundo cuarto del siglo ll a.C. se desarrolla un interés en temas y figuras de la vida cotidiana, personajes en actitudes narrativas. También se refiere a las figuras más eróticas y sensuales de sátiros y ninfas a las de los dioses. Se dice que es la reacción sofisticada y decorativa a lo pomposo, teatral, estilo de Pergamo. El niño de la oca, El sátiro dormido, el fauno danzante o el espinario son modelos bien conocidos de los copistas romanos.

Naturalismo y clasicismo en la escultura Helenística

 Cabe destacar grupos de esculturas más realistas, que representan pastores, pescadores o mujeres de edad trabajando o bebiendo. El pequeño jinete del cabo Artemision. El afán de realismo comportó el que, que a veces se esculpirán figuras de personas con deformidades físicas.

 Hacia el final de esta época es evidente el influjo del clasicismo de los siglos V y IV a.C., obras como la Victoria de Samotracia, realizada alrededor del 200 a.C, que formaba parte de una composición que conmemoraba una victoria naval, La figura de 2.45m estaba situada en la proa de un barco. Sobresale también la Venus de Milos, de la ll mitad a.C., que representa el modelo de belleza en el mundo antiguo. Las representaciones cómicas como la Afrodita de ola Sandalia, que hace el ademan de pegarle a Pan por el hecho de aproximarse a ella atrevidamente. Además encontramos obras que rememoran el estilo severo como Orestes y Electra, hacia fines del siglo segundo e inicio del l a.C.

 El Grupo escultórico del Laocoonte

 Data del del siglo primero de nuestra era, momento en que roma se convierte en el nuevo centro helenístico, y se hace difícil diferenciar entre estas dos culturas. La escultura muestra a el sacerdote Lacoonte y a sus hijos siendo estrangulados por serpientes gigantescas como castigo por haber aconsejado a los troyanos que no dejasen penetrar al caballo de Troya.

La escultura Arquitectónica

El ejemplo más destacado es el Altar de Pérgamo, data del 180- 160 a.C., en el que se representa una gigantomaquia, un tema recurrente en la escultura arquitectónica desde el siglo Vl a.C. Alude a las victorias de los griegos sobre los bárbaros y muy especialmente a Atalo l de Pérgamo.

 Es una composición monumental, tanto por su escala (El friso mide 2.30m de altura y las figuras son de tamaño superior al natural) como por su gran longitud (120m) y u elevado número de personajes representados (un centenar, aproximadamente, sin contar las figuras de animales de las que se conservan ochenta y cuatro). La sensación de movimiento y de intensidad alcanzan su mejor expresión: la acción es continua, tumultuosa y trepidante.

El espíritu que impregna este friso, es pues, muy distinto del que caracteriza la escultura de la época clásica. Pese a ello muchos de sus rasgos son deliberadamente clásicos, sobre todo en la expresión facial de los dioses, cuya solemnidad y calma contrastan con el dramatismo de los rostros de los gigantes. En este sentido cabe interpretar el esquema compositivo de la cara occidental del friso, donde el tema principal-Zeus y Atenea marchando en direcciones opuestas y volteándose la cara para mirarse-se inspira, aunque invertida, en la escena de la parte central del frontón oeste del Partenón.

Mi ideario Griego

 Me inclino a perderme en una Odisea de mis monstruos personales, resistirme a las sirenas y caer en manos de Calipso, a buscar mi Ítaca, mi lugar eterno, a pelear contra cualquier pretendiente de mi casa y de mis luchas. Me inclino a morir como Sócrates, bebiendo cicuta  trascendiendo este ser que me envuelve;  aún buscamos robarle el fuego de los dioses-Dios como Prometeo lo logró, me inclino a vivir en el padecer eterno- no me arrepiento de las causas justas-. Me inclino a morir con una o varias verdades en la boca, morir con la verdad, encerrado por una verdad que se acusa de mentira, como Casandra en el encierro.

 Me inclino, con toda pasión a ganar mis guerras sobre Bucéfalo, como Alejandro el Grande, mi enemigo nunca sabe mi estrategia. Busco la catarsis en cada brote de mi alma, en cada palabra. Me inclino hacia el honor de honrara a mis enemigos y reconocer sus virtudes, por sobre mi orgullo.

 Hay veces siento que las serpientes que envía Apolo me toman y me envuelven al ser descubierto ante los dioses, asfixiado como Laocoonte, por defender y tomar posición ante lo que creo y veo.

 Me inclino a esculpir mi modelo de belleza, de perfección, de armonía, a alcanzar la máxima expresión en cada textura, en cada paso de mi andar, quiero llegar a Maratón, pero morir bajo la gloria, bajo la Victoria, hasta cumplir la misión encomendada.

La historia y la cultura griega están íntimamente ligadas a el paisaje la Grecia continental es prácticamente una cadena montañosa que se hunde en el mar Egeo por lo que las numerosas islas no son mas que las puntas de esta cordillera sumergida, dado esto la línea costera es muy recortada y escabrosa con abundantes penínsulas y numerosas islas próximas, además de muchos valles interiores cerrados y de difícil acceso, por esto las llanuras son my escasas y de poca extensión,  lo que une las tierras griegas es el mar, vía de enlace de los distintos territorios y factor de expansión del mundo griego.

La escasez de suelos fértiles obligó a los griegos a buscar nuevas tierras para con ellas alimentar a la creciente población y por esto nace la vocación comercial y colonizadora del pueblo Heleno.

La agricultura fue la base de la economía de la Antigua Grecia. Desde los tiempos más antiguos, la agricultura griega estuvo basada en los tres tipos de plantaciones mediterráneas básicas: cereales, olivos y viñas. Sin embargo, debido a las restricciones naturales de la zona, la producción pronto comenzó a no ser suficiente para satisfacer a la demanda. La poca fertilidad de la tierra es, por tanto, lo que explica el comienzo de la creación de colonias griegas.

Además, la dieta se complementaba con el cultivo de hierbas, vegetales y plantas productoras de aceite. La ganadería, sin embargo, se desarrolló muy poco por la falta de pastos. Las especies más comunes entre los ganados eran las ovejas y las cabras. Se llevó a cabo la apicultura con la finalidad de obtener la miel, que por entonces era la única fuente conocida para obtener el azúcar.

La madera fue explotada de forma intensiva. Primero se utilizó con fines domésticos, pero luego se dedicó también a la construcción de trirremes.

Dados los medios con que se contaba entonces y las características de la agricultura como actividad intensiva en mano de obra, un 80% de la población griega estaba dedicada a ella. El trabajo agrario seguía el ritmo de las estaciones: Las olivas y las uvas se cosechaban a comienzo del otoño y finales del invierno. Las tierras quedaban sin cultivar en primavera, siguiendo con la práctica habitual de la rotación de cultivos, y se cosechaban los cereales en verano. Se cortaba la madera y se hacía la siembra en otoño.

En las épocas más antiguas la mayor parte de la tierra era propiedad de la aristocracia. Durante el siglo VII adC la expansión demográfica llevó a la aparición de tensiones entre los propietarios y los trabajadores de la tierra. Sin embargo los dominios de los aristócratas griegos fueron pequeños en comparación con los latifundia romanos.

Con el incremento de la comercialización de la economía griega la situación fue cambiando gradualmente, por ejemplo en un principio la cerámica era parte del uso doméstico y su uso se extendió por el trasporte de mercaderías.

El trabajo con el metal, el cuero, la madera o la arcilla eran actividades especializadas que sí que se llevaban a cabo en talleres especializados. El taller prototípico solía ser familiar y, en ocasiones, recurría al trabajo de los esclavos. El un taller de fabricación de escudos, por ejemplo, utilizaba a 120 esclavos, y en otro que fabricaba espadas, usaban 32.

Los trabajadores libres recibían una remuneración en función de cada trabajo llevado a cabo, dado que los talleres no podían permitirse garantizar un trabajo continuado. En Atenas, aquellos que trabajaban para la ciudad estado recibían un dracma al día, sin importar el trabajo que realizaran.

El trabajo de la cerámica consistía en elegir la arcilla, dar forma a la vasija, secarla y hornearla para luego aplicar un barniz. Parte de la producción se dedicaba al uso doméstico (platos, vasijas, lámparas de aceite, etc.) o para usos comerciales, y el resto se dedicaba a funciones religiosas o artísticas.

La fabricación de vasijas decoradas en Grecia tuvo influencias extranjeras muy fuertes. Por ejemplo, el estilo de figuras negras sobre fondo rojo procede muy probablemente de los artesanos corintios, que a su vez se deriva del estilo sirio de metalurgia. La altura a la que llevaron los griegos el arte de la cerámica es, por tanto, debida enteramente a su sensibilidad artística, y no a su capacidad técnica.

La alfarería en la antigua Grecia era a menudo realizada por esclavos. Muchos de los fabricantes de cerámicas de Atenas se encontraban reunidos entre el ágora y el Dípylon, en el barrio que se conoce como el Cerámico. La mayoría eran pequeños talleres que estaban compuestos por un maestro, varios artesanos pagados y esclavos.

La posición geográfica y la necesidad de importar grano forzaron a su población a embarcarse en el comercio marítimo. Las áreas geográficas en las que los griegos encontraban el trigo que necesitaban eran Cirenaica, Egipto, Italia y las regiones que rodean el Mar Negro. Atenas y Corinto servían como estaciones de paso del comercio para las islas del Mar Egeo.

Además del grano, se importaron productos como el papiro, especias, productos manufacturados, metales y materiales de construcción de naves como la madera, el lino o resina. Por otra parte, las ciudades griegas exportaban vino, cerámicas y aceite de oliva. Atenas vendía el mármol que extraía de la montaña de Penteli, que tenía un gran renombre en el mundo griego, así como monedas de plata, conocidas por su elegante acuñación y por la calidad de su aleación. Las monedas no sólo servían como dinero, sino que eran una fuente de metal (plata) en aquellos lugares en los que no se usaban como dinero.

No se tiene suficiente información como para evaluar con una gran precisión el volumen de bienes intercambiados en el comercio griego. Sin embargo, sí que existen algunas estimaciones de la importancia relativa del comercio en su economía.

Los impulsores del comercio griego eran los pertenecientes a la clase social de los comerciantes, conocidos como emporoi (ἕμποροι), a los que el estado imponía ciertos impuestos a la carga que transportaban. En el puesto del Pireo (el principal de Atenas) el impuesto fue inicialmente fijado en un 1% de la carga, y luego fue aumentado al 2%. Para finales del siglo V adC, el impuesto se había incrementado hasta 33 talentos.

El crecimiento del comercio en Grecia llevó al desarrollo de técnicas financieras. Muchos mercaderes, ante la ausencia de suficientes activos líquidos, recurrían a la financiación de todas o de parte de sus expediciones. Uno de los préstamos típicos para este tipo de actividades en el siglo IV adC en Atenas era normalmente una importante suma de dinero (aunque no solía ser superior a 2.000 dracmas), prestada por un corto plazo de tiempo (la duración del viaje, que podía ser de varias semanas o meses), a un alto tipo de interés (a menudo del 12%, si bien podía alcanzar niveles del 100%).

Las condiciones contractuales siempre se establecían por escrito, y se diferenciaban de los préstamos entre amigos (eranoi). El prestador asumía todos los riesgos del viaje, y a cambio el prestatario garantizaba el préstamo con la carga y con su flota, que como precaución era inmovilizada al retorno del viaje en el puerto del Pireo.

El comercio en la antigua Grecia era una actividad libre en la que el estado sólo controlaba el suministro de grano. En Atenas, después de la primera reunión de los Pritanos, la normativa sobre el comercio fue revisada y se creó un comité especial para la supervisión del comercio del trigo, la harina y el pan.

En el mar Mediterráneo se han encontrado cierto número de naufragios que nos da una evidencia muy valiosa del desarrollo del comercio en la antigüedad. Sólo dos naufragios han sido fechados antes del siglo VIII adC, mientras que los arqueólogos han encontrado 46 del siglo IV adC. Esto da una idea de que hubo un gran incremento del volumen de comercio entre estos siglos y, considerando el aumento medio del tonelaje de los navíos, se calcula que el volumen de comercio total probablemente se incrementó unas 30 veces.

El comercio minorista en Grecia es poco. Los obreros y artesanos solían vender sus propios productos, si bien también existieron comerciantes minoristas. Estaban reunidos en gremios y se dedicaban a la venta del pescado, aceite de oliva y verduras. Las mujeres vendían perfume y lazos decorativos.

Pagaban un impuesto por el espacio que ocupaban en el mercado y no solían estar bien vistos por la mayoría de la población, siendo objeto a menudo de hacer trampas con las medidas. Los pesos utilizados se solían revisar periódicamente y comparar con los pesos estándar.

Además, en paralelo a los mercaderes profesionales, estaban también los individuos que vendían el excedente de la producción doméstica, ya fuesen vegetales, aceite de oliva o pan, como ocurría con muchos pequeños granjeros de Ática. Entre los habitantes de las ciudades, esta tarea también recaía en las mujeres.

 El comercio por trueque constantemente presentaba dificultad al equiparar los costos de las mercancías lo que dio paso a la acuñación de monedas.

La técnica de acuñación de monedas llegó a Grecia alrededor del año 550 adC, comenzando por ciudades comerciales costeras como Egina o Atenas. Su uso se fue extendiendo y las ciudades estado pronto regularon un monopolio para la creación de las mismas.

Las primeras monedas estaban compuestas de electrum (una aleación de oro y plata) y luego aparecieron las de plata pura, que era el metal valioso más común de la región. Tracia y Macedonia extraían el metal de las minas del monte Pangaion, mientras que Atenas lo extraía de las minas de Laurium. Más adelante, a partir del siglo V adC, comenzarían también a acuñarse monedas menos valiosas, realizadas en bronce.

Las monedas más famosas de la antigüedad griega fueron los “búhos atenienses”, que todavía hoy se utilizan para ilustrar la moneda de euro que es acuñada en Grecia.

Las monedas tenían varios usos en el mundo Griego:
-Servían como dinero, para realizar intercambios comerciales, y siendo utilizados por las ciudades-estado sobre todo para la contratación de mercenarios y para el pago a los ciudadanos por sus servicios.
-Eran una fuente de ingresos. Los extranjeros tenían que intercambiar su moneda por la local con un tipo de cambio favorable a la ciudad-estado.
-Servían como una forma de almacenar metales preciosos y así poder trasladarlos como bien de consumo.

Por último, la producción de moneda propia suponía para la ciudad-estado que la llevaba a cabo un cierto prestigio frente a la que no era capaz de hacerlo.

A modo de conclusión,  se puede ver como a diferencia de otras civilizaciones que utilizaron el comercio como forma de conseguir objetos de primera necesidad, o de vender los excesos de producción personal, en el caso de los griegos, se puede notar como el comercio se dirige mas a acrecentar la riqueza por medio de la exportación-importación de toda clase de materiales desde alimentos, aceites, bebidas, especias, textiles y metales.

Podemos ver como la escasez de terrenos fértiles los obliga a utilizar el mar como vía para encontrar tierras que les fueran favorables y les permitiera satisfacer las necesidades de la población creciente.

Este constante navegar  desde las colonias hasta las principales ciudades los lleva a intercambiar mercancías en los diferentes puertos lo que posiblemente comenzó a popularizar los productos tanto alimenticios como cerámica, joyería, aceite y  armas.

Se ve la aparición de talleres primeramente familiares donde se fabrica ya no solo para consumo propio, sino a mayor escala para satisfacer la demanda extranjera. Tras esto también se ve la aparición de los impuestos sobre los productos, así como la utilización de préstamos para la producción.

Pronto los griegos con sus embarcaciones se adueñaron del mar Egeo y de toda comercialización en él, lo que nos muestra lo que podría ser el comienzo de un comercio internacional.

http://es.wikipedia.org/wiki/Econom%C3%ADa_en_la_Antigua_Grecia

http://www.celtiberia.net/articulo.asp?id=3376

http://www.cervantesvirtual.com/portal/Antigua/grecia_arcaica.shtml

http://www.cultureduca.com/histart_grecia_econysoc01.php

http://www.eumed.net/libros/2006a/ah-com/1e.htm

http://www.geocities.com/historia_imperiagrecia/11/11.html

Entre la cerámica griega podemos encontrar lo que se conoce como vasos griegos o pintura de vasos griegos. La cerámica griega era de alta calidad y muy bella. Era una parte fundamental de la vida de los griegos. Actualmente hay muchos vasos que aun existen, aproximadamente unos 50000 pero esta es solo una pequeña muestra de todo lo que ellos producían. Podemos encontrar numerosos estilos de cerámica griega.

Estilos de cerámica griega:

1. estilo minoico: esta estilo de cerámica aparece alrededor de 2000 a.c. Era tradicional de los minios. Es un estilo de cerámica que se distingue por la superficie barnizada en un gris mate de alta calidad. Se cree que fue introducida por indoeuropeos durante su invasion.

1. Estilo micénico: esta cerámica aparece a principios de la época micenica. Cerca dell 1600 a.c. Esta cerámica es decorada con motivos de elementos tomados de la naturaleza; estaba influenciada por los estilos de la cerámica de la Creta minoica. Después del año 1400 a.c la cerámica micenica fue la predominante. Lo mas destacado de esta cerámica son las jarras de estilo de palacio que son jarras de almacenamiento muy elegantes decoradas con llamativos motivos florales y marinos.

1. Estilo submicénico: cerca del 1200 a.c, luego de la caída de la civilización micénica, el estilo de cerámica submicénica se empobrecio, se simplifico y se estilizó el diseño naturalista; a esto se le conoce como cerámica protogeometrica. Luego de esto se desarrollo la ceramica geométrica. Esta se caracteriza por el uso de las bandas de decoración en meandros o en zigzag. Después se introdujeron escenas altamente estilizadas que, de manera abstracta retaban a figuras humanas. Durante este periodo Atenas se convirtió en un importante centro de producción de cerámica, pues allí había mucha arcilla de buena calidad.

1. Estilo protogeometrico: durante este periodo muchas de las formas artísticas sufrieron una gran recesión, pero no la cerámica, especialmente en Atenas. Los vasos eran decorados con motivos de color negro brillante desendiente de la edad del bronce. Esta cerámica puede retomar motivos micénicos, como lo son las lineas onduladas trazadas a mano, pero los nuevos motivos como lo son los semicírculos y círculos concentración eran diseñados con mucho cuidado, usualmente con compás. La decoración era simple y se adaptaba a la forma del vaso subrayando las formas con anchos trazos horizontales o con bandas negras. Uno de los principales lugares de donde proviene la cerámica de este periodo es Lefkandi.

1. Estilo geométrico: el arte geométrico se dio entre los siglos IX y VIII a.c. Se caracteriza por nuevos motivos, rompiendo con la iconografia minoica y micénica que eran merandros, triángulos y otras figuras geométricas. En el geométrico antiguo que va de 900 a.c al 850 a.c se da a conocer el estilo de Dipilón Negro que se caracteriza por un amplio uso del barniz negro. En en el geométrico medio aparece la decoración figurativa con los primeros frisos de animales idénticos que luego se alternan con bandas de motivos geométricos. Despes la decoración se vuelve mas abundante ya que las zonas vacías se rellenan con roseta decorativas, a esto se le llama “horror vacui” y no termina hasta el final del estilo geométrico. A mediados del siglo VIII a.c aparecieron las figuras humanas en la decoración. Esta se da mas que todo en la decoración de los vasos funerarios que muestran principalmente carros de guerra y guerreros; y también escenas funerarias llamadas antiguo griego donde se da la exposición del muerto y lamentación. Los cuerpos son representados de manera geométrica, excepto las pantorrillas. Los soldados tienen un escudo en forma de diablo, llamado también “escudo dipilón”, este cubre la parte central del cuerpo. Las patas de los caballos y las ruedas de los carros de guerra son pintados unos al lado de los otros. Al final de este periodo aparecieron representaciones mitológicas. Es importante destacar que la producción de estos vasos no fue exclusiva Atenas, aunque de allí salia la gran mayoría; pero también se producía en Corintio, Beocia, Argos, Creta y en Cicladas.

1. Estilo Orientalizante: este estilo se d a finales del siglo VIII a.c. Este es un resultado de la renovación de los contactos con oriente y, por lo tanto, de la influencia de su arte. Este estilo se da sobre todo en Corintio desde el año 725 a.c al año 625 a.c. Corintio se convirtió en un importante productor de cerámica fina y en la primera ciudad exportadora de toda Grecia. Esta nueva influencia que venia del oriente trajo una nueva gama de motivos como esfinges, grifos, y leones entre otros, que eran representados de manera mas realista que en el pasado. En este estilo las representaciones de figuras humanos eran raras, consistían en escenas de batallas y en escenas de caza. Los trazos geométricos continuaron en el estilo llamado protocorintio. Los pintores de cerámica en corintio recurrieron a las figuras negras principalmente sobre fondo rojo. Ellos utilizaron algo llamado suspension coloidal de color castaño que con la cocción se convertia en un tono de negro brillante, casi metálico.los corintios también inventaron una técnica llamada incisión en hueco que permitía hacer resaltar la arcilla pálida. Este técnica se utilizo sobre todo en vasos pequeños. Estas cerámicas de Corintio fueron exportadas a toda Grecia y su técnica llego a Atenas que desarrollo su propio estilo pero con la influencia oriental menos marcada. Luego apareció el periodo al cual se le llamo protoático, tenia motivos orientalizantes pero el trazo era mucho menos realista. Las pinturas se asimilaban a las del periodo geométrico, como los desfiles de carros; pero ellos comenzaron a usar el principio del dibujo lineal en sustitución de la silueta. A mediados del siglo VII a.c apareció el estilo blanco y negro, aqui el trazo era negro y el fondo blanco, acompañado de policromia para el color de los carros o de las vestiduras. En Creta y en las islas Cicladas se creo el estilo de los vasos llamados “plásticos”. Estos eran aquellos cuya panza o cuello eran moldeados con forma de cabeza de animal o humana. Por ultimo se encuentra el estilo de la “cabra salvaje” atribuido a Rodas. Aqui predominaron dos formas hechas de cerámica: los enócoes, que eran vasos donde se conservaba el vino y que copiaban modelos de bronce, y los platos. En la decoración de estos se encontraban animales estilizados, sobre todo cabras salvajes (de ahí sale el nombre de este estilo). Muchos otros motivos decorativo como triángulos, esváticas, roseta, y motivos florales, llenaban los espacios vacíos.

1. Estilo de figuras negras: este estilo fue inventado en Corintio en el siglo VII a.c. Este no solo se caracterizaba por el dibujo de figuras negras sobre el fondo de arcilla, sino que también por el uso de incisiones. Se nota una influencia de la cerámica corintia de figuras negras sobre la primera cerámica de figuras negras ateniense, esto por razones obvias, ya que como mencione anteriormente el estilo de figuras negras fue inventado en Corintio. Poco a poco la cerámica ateniense se pudo separar de esta influencia.

1. Estilo de figuras rojas: Este estilo fue inventado en Atenas ente los años 530 y 520 a.c. Esta consistia en una inversion de la figura negra, en este caso el fondo era negro y la figura color arcilla, que en el caso de Atenas, la arcilla era roja. Una gran diferencia que existia ente los estilos de figuran rojas y figuras negras era que en el de figuras rojas los detalles eran siempre pintados y nunca incisos como en el estilo de figuras negras. Cuando se comienza a dar este estilo, también era muy común encontrar mezclas entre ambos estilos. A esto se le conoce como cerámica bilingüe.

   Esta técnica de cerámica roja permitia una mejora en el dibujo, sobre todo en la representación del cuerpo y de los detalles. En este periodo también desaparece la policromia y se substituye por el realismo. Por esta razón los cuerpos masculinos y femeninos son mas facilmente distinguidos.

   Durante las guerras médicas, Atenas fue ocupada por los Persas, quienes destruyeron sus talleres. Cuando los atenienses recobraron su ciudad, la producción de cerámica tuvo que comenzar de nuevo, casi de cero. Muchos estilos de tiempos atrás fueron abandonados. Las figuras rojas fue uno de los estilos que si permaneció. El dibujo se volvió mas sofisticado, mientas que la elección de escenas para dibujar se orientaron mas hacia escenas de la vida privada, sobre todo con escenas de gineceo. Gineceo es el estilo florido, que fue el ultimo gran estilo ateniense. En este estilo se volvió al horror vacío que había predominado en el periodo geométrico.

1. Periodo Helenistico: en este periodo se produce un declive en la pintura de cerámica. En este estilo los vasos negros son muy comunes. En esta época aparece el relieve.

    

Fabricación de la cerámica:

1. Materiales:

   Los griegos utilizaban como material base para hacer la cerámica la arcilla, pero no todas las arcillas eran iguales. La arcilla de atenas tenia mucho oxido de hierro lo que hacia que con la cocción se convirtiera en un colo rojo-anaranjado. LA de Corintio no tenia nada de oxido y por lo tanto tenia un color como blanco. Estas diferencias entre las cerámicas permitieron que por medio de un análisis químico se pudiera determinar de donde provenían los vasos o vasijas de cerámica.

   La arcilla se obtenía de minas o de canteras de arcilla, que luego se purificaba. Esto se hacia poniendo la arcilla a remojo en grandes estanques donde las partículas finas subían a la superficie y asi eran recuperadas. Esto permitía eliminar las impurezas que podían provocar que las piezas estallaran o se reventaran durante el proceso de cocción. Luego de esto se ponía a secar al sol y después se cortaba en bloques y se almacenaba.

    

2. Elaboración:

   Para fabricar un vaso el alfarero manipulaba la pasta para expulsar todas las burbujas de aire y luego la trabajaba en un torno. Las vasos pequeños se hacían de una solo vez, a diferencia de los mas grandes que consistían en varias piezas que luego eran ensambladas para formar un vaso de mayor tamaño. Luego de que se ponía a secar se pintaba.

1. Cocción:

   Después de que la pintura se había secado el alfarero recuperaba la pieza para realizar el proceso de cocción. Esta delicada operación estaba compuesta de tres etapas:

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    • Cocción en atmósfera oxidante: en este paso los respiraderos se dejaban abiertos para dejar salir el dioxígeno. La temperatura utilizada era n los 800°c. En esta etapa la pieza tomaba un color totalmente rojo.

    • Cocción en atmósfera reductora: aqui los respiraderos permanecían cerrados. Laa unos 950°c se añadían vegetales en el fuego para producir el ahumado, luego la temperatura se reducía a unos 900°c . el monoxido de carbono liberado por los vegetales hacia que el oxido férrico se redujera a oxido ferroso o magnetita de color negro. Aqui el vaso era completamente negro y las partes que anteriormente habían sido pintadas se vitrificaba, volviéndose impermeable.

    • Cocción en atmósfera reoxidante: los respiraderos se abren de nuevo. Sobre 900°c el dioxígeno del aire permitia oxidar el óxido férrico en las partes en las que no habían sido pintadas. Estas se volvían rojas y las partes impermeables se mantenían negras.

Este proceso de cocción era relativamente fácil pero requería de atención y experiencia.

Bibliografia:

http://es.wikipedia.org/wiki/Cer%C3%A1mica_griega

http://en.wikipedia.org/wiki/Lekythos

Por los antiguos poetas e historiadores griegos y romanos se sabe que la orfebrería y la broncería alcanzaron en Grecia un estado de prosperidad y de perfección increíble, andando al compás de las Bellas Artes primarias.

En los objetos encontrados se observan como es de suponer las mismas vicisitudes del arte de la escultura griega pues llevan muchos de dichos objetos varias figurillas que los hacen incluir en el género escultórico. A los procedimientos fabriles del repujado, cincelado y afiligranado ya conocidos en las civilizaciones precedentes, se añadió por los artistas griegos (según se dice) el granulado, sembrando de pequeñísimas perlitas de oro la superficie de la joya o alhaja por un procedimiento desconocido. Pero mucho antes que los griegos ya lo practicaban los egipcios pues se han encontrado en joyas de la dinastía XII (unos veinte siglos a.C.) Las principales obras de orfebrería griega que figuran en las colecciones (prescindiendo de las monedas) proceden de los tesoros descubiertos en Crimea, Etruria y zona de Nápoles.

En sepulcros de la misma Grecia se han encontrado plaquitas de oro o de plata con figuras repujadas que debieron ser ornamentos de vestido. Pero las mejores y más celebradas piezas de orfebrería clásica (aunque ya de origen romano) que por reflejar muchas de ellas el más refinado arte griego se las juzaga también en parte griegas, son las del tesoro de Hildesheim: se consideran como pertenecientes al botín de guerra obtenido por los germanos al destrozar las legiones de Publio Quintilio Varo (año 9) y entre sus hermosas vajillas y diferentes utensilios de plata (pasan de setenta las piezas del tesoro) están la célebre pátera de Minerva con la figura de esta diosa sentada y la gran crátera de 30 libras romanas de peso, ambas con figuras repujadas y finamente cinceladas.

Se agregan a dichas obras de orfebrería griega los numerosos bronces de igual estilo (desde el siglo VIII a. C.) coleccionadas por los museos principales ya sean estatuas, amuletos, placas de adorno con figuras repujadas, ya espejos bruñidos y con grabados en el reverso, ya fíbulas, etc.

Las tumbas situadas bajo el Agora contenían cuerpos casi enteramente revestidos de oro en planchas, y de joyas. Sobre los rostros, máscaras repujadas conservaban los rasgos del difunto, las coronas, las joyas y ornamentos, todos trabajados de una manera aún primitiva. En cambio, las piezas descubiertas en el tesoro de Atreo, compuesto por millares de vasos, diademas, pulseras, collares, pendientes, eran trabajadas con verdadero arte. Se supone que estas obras son de los tiempos homéricos de la guerra de Troya, mientras que los cubiletes de oro encontrados en Vaphio, Laconia, seguramente son posteriores.

Se puede atribuir al arte orfebrerístico la colosal estatua de Atenea que Fidias ejecutó en el Partenón (la diosa estaba elaborada de marfil, sus ojos de piedras preciosas, el ropaje y las armas de plata y oro de colores diferentes).

Gran parte de la artesanía de la antigua Grecia formaba parte de la esfera doméstica. Sin embargo, la situación fue cambiando gradualmente entre los siglos VIII y IV a. C. con el incremento de la comercialización de la economía griega. Por tanto, tareas tan importantes como son el tejido o la preparación de pan, eran realizadas solamente por mujeres antes del siglo VI a. C. Con el crecimiento del comercio comenzó a utilizarse mucho la mano de obra de los esclavos en las artesanías. Sólo los paños teñidos de la mejor calidad, y en particular el púrpura de Tiro se hacía en los talleres.

Por otro lado, el trabajo con el metal, el cuero, la madera o la arcilla eran actividades especializadas que sí que se llevaban a cabo en talleres especializados. El taller prototípico solía ser familiar y, en ocasiones, recurría al trabajo de los esclavos. El taller de fabricación de escudos de Lisias, por ejemplo, utilizaba a 120 esclavos, y el padre de Demóstenes, que fabricaba espadas, usaba 32.

Tras la muerte de Pericles en 429 a. C. emergió una nueva clase social compuesta por los ricos dirigentes de talleres de artesanía. Entre estos podemos encontrar a Cleón de Atenas o a Cleofonte, que tenía un taller de liras.

Los trabajadores libres recibían una remuneración en función de cada trabajo llevado a cabo, dado que los talleres no podían permitirse garantizar un trabajo continuado. En Atenas, aquellos que trabajaban para la ciudad estado recibían un dracma al día, sin importar el trabajo que realizaran. El día de trabajo comenzaba normalmente a la salida del sol y finalizaba por la tarde.

La cerámica griega incluye lo que comúnmente se conoce como vasos griegos o pintura de vasos griegos. Nacida en el Oriente Próximo, el arte de la cerámica alcanzó en la Antigua Grecia un alto nivel de calidad artística. Constituye un testimonio fundamental sobre la vida y la cultura de los antiguos griegos.

Se conserva numerosos ejemplares de vasos y probablemente representa un parte ínfima de la producción: más de 50.000 vasos provenientes de Atenas subsisten. Por otra parte, los otros objetos han sido destruidos, por el tiempo (madera, tejidos, pigmentos de pintura), o por la mano del hombre, o para su reutilización (piedra, bronce, metales preciosos). Aunque sea fácil destruir un vaso, es muy difícil hacerlo totalmente: los fragmentos pueden aún hablar.

El trabajo de la cerámica consistía en elegir la arcilla, dar forma a la vasija, secarla y hornearla para luego aplicar un barniz. Parte de la producción se dedicaba al uso doméstico (platos, vasijas, lámparas de aceite, etc.) o para usos comerciales, y el resto se dedicaba a funciones religiosas o artísticas.

La fabricación de vasijas decoradas en Grecia tuvo influencias extranjeras muy fuertes. Por ejemplo, el estilo de figuras negras sobre fondo rojo procede muy probablemente de los artesanos corintios, que a su vez se deriva del estilo sirio de metalurgia. La altura a la que llevaron los griegos el arte de la cerámica es, por tanto, debida enteramente a su sensibilidad artística, y no a su capacidad técnica.

La alfarería en la antigua Grecia era a menudo realizada por esclavos. Muchos de los fabricantes de cerámicas de Atenas se encontraban reunidos entre el ágora y el Dípylon, en el barrio que se conoce como el Cerámico. La mayoría eran pequeños talleres que estaban compuestos por un maestro, varios artesanos pagados y esclavos.

Metalurgia.

Las menas de metales son comunes en Grecia. Dentro de éstas las más conocidas son los yacimientos de plata en Laurión.

Las minas contribuyeron al desarrollo de Atenas en el siglo V a. C., cuando los atenienses aprendieron a hacer prospecciones y luego tratar y refinar las menas. Además, la composición de la tierra de la zona hacía que el drenaje no fuera necesario, lo cual tenía mucha importancia si tenemos en cuenta que las técnicas de drenaje de la antigüedad no permitían la excavación por debajo de las aguas del subsuelo.

Los pasadizos y niveles de las minas griegas eran excavados con la misma preocupación por la proporción y la armonía que se ponía en la construcción de los templos. El trabajo era extremadamente difícil, dada la profundidad de los túneles, que podía ser mayor a los 100 metros. El minero, equipado con un pico y un martillo de hierro, trabajaba encorvado para extraer la galena. Las minas de Laurión, por ejemplo, eran explotadas por una gran población de esclavos, la mayoría procedentes de regiones del Mar Negro como Tracia o Paflagonia.

Algunos de los metales que los griegos llegaron a utilizar fueron el oro, la plata, el hierro y el cobre.

Uno de los trabajos mas destacados de los griegos y que involucro a los metales y mas que todo su trabajo, fue la acuñación de monedas.

La idea de moneda pertenecía a los babilonios y a los hititas, pero éstos no dividían el metal en secciones de valor determinado ni pensaron en controlar el valor intrínseco del metal.

Los griegos son los primeros que reemplazan las marcas groseras que certifican el valor con sellos de valor artístico. Como vimos, la moneda facilito los cambios y los préstamos. Convertida pronto en otra mercancía, sufre todas las alternativas de una mercancía. Termina por ser la mercancía por excelencia: ya la posesión de la tierra no es el signo de la riqueza lo es la posesión de metal amonedado.

La Casa de la Moneda es el lugar donde se diseñan, graban y fabrican las monedas, que son medios de pago de curso legal, es decir, dinero. Antes de la aparición de las monedas, el comercio se llevaba a cabo mediante el intercambio de bienes (trueque) o utilizando lingotes de oro y plata. Este sistema resultaba poco práctico porque era necesario pesar y evaluar la calidad del metal, en cada intercambio se establecía el valor de los lingotes, por lo que se dificultaba el crecimiento del comercio y la industria. La invención del sistema de acuñación de monedas, cuyo valor era siempre el mismo, resolvió los inconvenientes anteriores.

Se cree que las primeras monedas acuñadas con carácter oficial aparecieron durante el siglo VI a. C.C. en la zona de Lidia (en Asia Menor) y en China. A partir de entonces empezaron a surgir monedas en Grecia y en otras ciudades-estado. Sin embargo, con el Imperio romano se empezó a acuñar una única moneda, homogeneizando los tamaños, pesos y valores de todas las monedas existentes, y prohibiendo la acuñación de monedas por parte de individuos particulares, pues era monopolio del Estado. China conservó su sistema de acuñación homogénea centralizada durante su época imperial, pero con la desintegración del imperio empezaron a surgir distintas monedas en los diferentes principados.

Como lo ocurrido en Mesopotamia, las pruebas de que los griegos aplicaron la pintura, son muy escasas ya que por su difícil conservación, por sus materiales, por guerras y demás factores se han perdido. Son muy escasos los vestigios que se han encontrado de la pintura de la antigüedad, por su difícil conservación, y menos de la pintura griega. Debido a esto no se conoce muy bien cómo era la pintura en aquella época. Parece que evolucionó desde las figuras rígidas y frontales, o de perfil, sin volumen ni perspectiva hasta la representación del volumen y el movimiento. Se supone que comienza como motivo decorativo en Grecia, la cual es deudora de la pintura cretense, una obra que se conoce a través de la cerámica pintada. Según estos restos, las representaciones serían geométricas, las figuras tenderían a ser cuerpos geométricos simples. Las escenas son de caza, guerra y mitología. Las siluetas están pintadas en negro, aunque en Corinto se pintan en rojo sobre fondo negro y con líneas en blanco. La celebridad y la de sus artistas se debe casi por entero a los antiguos historiadores pues no se conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra alguna de los famosos Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados desde la antigüedad los pintores por antonomasia.

Los griegos también pintaban sobre paneles de madera. Los rojos y azules se usan libremente en las ropas. Es una muestra exquisita de dibujo. Aún es muy plana, pero las figuras que se superponen sugieren la existencia de figuras en el espacio. El panel fue pintado a finales del siglo VI a.C. Si tuviéramos que conocer la pintura griega a partir de ejemplos como éstos el material sería escaso. Afortunadamente contamos con otra fuente de información: la cerámica, tema que será pronto tratado; sin embargo tenemos otros datos como:

1. En primer lugar, no hay que olvidar que se han conservado algunas pinturas griegas originales, especialmente varias de las épocas arcaica y helenística, tales como fragmentos de pinturas murales y tablas de madera de la época arcaica, así como lapidas sepulturales de mármol, metopas y remates de terracota y murales de la época helenística, de diversas procedencias, además de ellos se han conservado mosaicos cuyas composiciones son similares a las de la pintura aunque, naturalmente, ejecutados en una técnica distinta.
2. Las pinturas de las tumbas etruscas, muchas de las cuales datan de los siglos VI y V a.C. y de las tumbas lucanas, del siglo IV, muestran una gran influencia griega y es posible que algunas fuesen obras de artistas griegos inmigrados, una suposición que se confirma hoy por el descubrimiento de pinturas griegas en Paestrum, muy parecidas a las encontradas en las tumbas etruscas.
3. Las vívidas pinturas de las cerámicas de la época helenística, especialmente de Centuripe, Canosa y Adra dan idea de las pinturas murales griegas contemporáneas.
4. Muchos murales y mosaicos encontrados en Roma, Pompeya, Herculano, Estabia y villas próximas a ellas, así como los de Alejandría, que datan del siglo 1 a.C. en adelante son copias y adaptaciones de originales griegos.
5. Los escritores antiguos mencionaban a los pintores griegos y sus obras, aportando detalles acerca de los mismos. Platón y Aristóteles, por ejemplo, proporcionaban ocasionalmente datos importantes, aunque en términos generales; Plinio el Viejo (fallecido en el año 79 d.C.) anota consecutivamente los principales pintores griegos en su “Historia Natural”. En el siglo II d.C. Pausanias aún pudo contemplar templos griegos, describiendo algunos de ellos con todo lujo de detalles; las referencias de Luciano a determinadas pinturas griegas son a veces de gran valor, etc.

Cerámica

Debido a la desaparición de piezas fundamentales del grandioso pictórico griego, la cerámica ha adquirido una importancia que rebasa la de su gran valor intrínseco. Durante algunos periodos y en determinados localidades el ceramista griego no contentó como decorar vasijas con simples líneas o motivos florales, sino que extrajo sus temas de la mitología del mundo que lo rodeaba, como lo hacían los pintores de tablas y murales. Por otra parte, estas pinturas sobre cerámica son a veces de la mayor calidad especialmente en el caso de las cerámicas áticas de los siglos VI y V a.C. Por ello, a pesar de las diferencias en cuanto a técnica y el esquema cromático, sirven para formarse una idea del extraordinario sentido de línea, el color y composición del artista griego en general y si se añaden mentalmente estas cualidades a los vívidos murales romanos es posible llegar a vislumbrar los que debió de ser el gran arte pictórico griego.

Decorar un vaso es algo muy diferente a pintar un cuadro sobre una superficie plana. Las superficies exteriores están redondeadas y la curvatura de algunas partes se aleja del observador. Como es lógico, los griegos no usaron el contorno de un recipiente como marco de un cuadro, pero sí ajustaron con habilidad sus diseños a las vasijas que decoraban.

Las figuras humanas solamente aparecen en una sección pequeña pero importante. Son figuras de palo, esbeltas y elegantes pintadas en siluetas planas.  La cerámica se había elevado brevemente a la categoría de arte monumental; pero a finales del siglo VII a.C. se utilizaron estelas de piedra para señalar sepulturas, pintadas o esculpidas en relieve

Las figuras humanas y sus actividades se habían convertido hacia el siglo VII para los artistas de varias zonas de Grecia en el tema más importante de la pintura de vasos. Los poemas homéricos eran muy populares en aquel entonces y el pintor de vasos deseaba seguir el ejemplo del poeta y convertirse también en narrador. Por tanto simplificó la decoración tradicional a base de dibujos geométricos y la relegó en su mayor parte a la zona inferior del vaso, dejando así libre la zona principal de su crátera para representar en ella una historia emocionante. Desde esta época, los pintores de vasos, corno los artistas que más tarde tallaron esculturas arquitectónicas, se esforzaron en mostrar a personas (y a monstruos) en acción.

El principal interés de los pintores decoradores de vasos fue centrándose con el tiempo en la representación de escenas que acabó por cautivarles. Todos los restantes temas por lo general se consideraron de segundo orden. El naturalismo sufrió un fuerte impulso, ya que los pintores siempre trataron de hacer sus historias más vivas y más convincentes.  Fue difícil para los pintores llegar a esta nueva meta mientras trabajaban sólo con siluetas. La mayoría de las escenas requerían figuras que se interrelacionasen y se entrelazaran, aunque esta coincidencia de siluetas sólo llevaba a la confusión. Algunos pintores, por consiguiente, experimentaron brevemente con el contorno de sus figuras. Por desgracia, los contornos aparecían demasiado delgados en la superficie curva y bruñida de un recipiente. La contradictoria demanda de escenas convincentes y de decoración efectiva estimuló la búsqueda de una solución mejor. La solución surgió con la invención de la técnica de las figuras negras. El artista pintaba primero la silueta de sus figuras de manera que aparecieran fuertes y enérgicas, después grababa sus contornos y marcas interiores con un instrumento afilado que servía para extraer la pintura a lo largo de la línea de incisión dejando limpios los contornos. Añadía también trazos de blanco y rojo algo purpúreo para que las escenas tuvieran más color.

Utilizaron  la técnica de las figuras negras con tanta brillantez e imaginación que  decidieron probar algo diferente. Lo que hicieron fue sencillamente invertir la tradicional combinación de colores y en lugar de pintar figuras negras sobre un fondo rojo anaranjado dejó las figuras del color natural de la arcilla y pintaron el fondo negro. Para otros pintores esta nueva técnica de figuras rojas tenía muchas ventajas, conservaba el fuerte contraste decorativo de los colores, pero daba mayor campo de aplicación a los dibujos, ya que se podía utilizar un cepillo flexible en lugar de una dura herramienta de grabar. La anatomía se hizo más viva, los vestidos más suaves y las figuras más llenas de vida.

La técnica de las figuras rojas fue inventada hacia el año 530 a.C. y rápidamente adoptada por los mejores pintores, aunque los mediocres siguieron trabajando con figuras negras hasta mediados del siglo V a.C. La vieja técnica se utilizó con propósitos especiales hasta el siglo II a.C., pero había perdido ya su poder de sorpresa.

Eutímides se preocupó mucho por los problemas de la representación tridimensional, es decir, por mostrar figuras llenas redondas, convincentemente realizadas en escorzo. Para indagar sobre estos efectos no le fue preciso ilustrar una historia: escenas de la vida diaria fueron suficientes. Éstas habían sido solo un tema menor en la pintura de figuras negras.  A principios del siglo V a.C., la técnica de las figuras rojas se había llegado a dominar por completo. Ahora podía ser usada de forma expresiva como lo muestra una pintura que decora una hidria que representa el mitológico saqueo de Troya.

Es conocido que los objetos y el espacio tridimensionales pueden representarse sobre una superficie plana; las pinturas ilusionistas forman parte de nuestra experiencia cotidiana. Antes de los griegos no existían. Los griegos las inventaron.  Eutímides y sus contemporáneos, a finales del siglo VI a.C., empezaron a utilizar el escorzo en sus dibujos de figuras individuales para darles la apariencia de tridimensionalidad.

A finales del siglo V a.C. la técnica se había perfeccionado hasta el punto de que el perfil de sus dibujos resultaba tan sugestivo que parecía descubrir incluso lo que estaba oculto. Al parecer lo lograba sin la ayuda de coloraciones internas ni sombreados. Esta habilidad puede verse reflejada en un lekitos de fondo blanco, utilizado como ofrenda funeral, que muestra una sorprendente economía de líneas y un ahorro de coloraciones internas, combinados con un impresionante efecto de volumen. Zeuxis, también se preocupaba de que sus figuras tuvieran volumen. No lo hizo mediante contornos sugestivos, sino por medio del inteligente uso de las sombras traslucía el volumen mediante el modelado. Incluso más tarde los pintores empezaron a estudiar los efectos de los toques dé luz y de los reflejos lumínicos.

Los cuerpos sólidos parecen existir en su propio espacio. Cuando se hacen coincidir, se profundiza el espacio, y cuando se muestran los unos más altos que los otros, hay una insinuación de la existencia del espacio por sí solo y de las figuras colocadas en él. La idea de crear un sentido del espacio en sí mismo parece haber sido analizada por Agatarcos (pintor de escenarios) a finales del siglo V a.C. Sus experimentos con puntos de fuga (líneas que van disminuyendo en los dibujos de arquitectura hasta converger en un punto) aparentemente movieron a los filósofos contemporáneos (Demócrito y Anaxágoras) a hacer un estudio teórico de la perspectiva.

BIBLIOGRAFÍA

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RITCHER M. A. GISELA; El Arte Griego: Una revisión de las artes visuales de la antigua Grecia, Ediciones Destino, Barcelona 1984.

WOODFORD SUSAN; Grecia y Roma, Editorial Gustavo Gili, Barcelona 1985.

Para el griego, el cuerpo humano es el de un hermoso animal, fuerte y ágil; el desnudo se idealiza y se impone como una necesidad de belleza.

El realismo, relegado antiguamente a las clases inferiores, se apodera de todo el arte, en parte debido a la menor importancia que estos le dan a las categorías sociales.

Se dan más retratos y se insiste en los detalles de cada modelo, las diferencias de edad, sexo y raza. La mujer invade el arte y sus formas son graciosas y elegantes. Admiran el cuerpo de los atletas,  sin embargo, en vez de virilizar a las mujeres y niños, afeminan a los dioses jóvenes brindándoles belleza y fragilidad.

Sin embargo, se había tenido que pasar por un largo proceso para llegar allí.

Los ídolos de marfil encontrados en las tumbas del Dipilón de Atenas y las toscas estatuillas  de arcilla en forma de campana de Beocia, son las obras más antiguas de la plática griega.  Parecen bastante simples cuando vemos que los egeos ya sabían reproducir el cuerpo humano con destreza y atrevimiento, tanto en la estatuaria de bulto como en el dibujo y el relieve. Aparentemente, la invasión dórica sumió de nuevo el arte en su forma nativa, haciéndolo retroceder miles de años, llevándolo de nuevo al punto en el que se encontraban los hombres neolíticos.

El cuerpo vuelve a ser una representación más que una copia exacta y para ello no hacen falta actitudes complicadas y detalles precisos, basta con evocar una idea.

Aún se aplica la ley de la frontalidad, la cual obliga al escultor a trabajar las estatuas para ser vistas únicamente de frente, darle al cuerpo una actitud rígida, no hay flexión, torsión o ninguna inclinación del tronco en el plano vertical.  Debido a esto, les era imposible animar la estatua y reproducir las varias deformaciones que el movimiento le da al cuerpo. La figura inmóvil continúa siendo tan solo un ideograma o abstracción geométrica.  Se conservan todas las antiguas características como los gestos inexpresivos, dejar caer los brazos contra las piernas o cruzados sobre el pecho; no se sabe aún adoptar una actitud natural o un acto diferente. El artista aún no era capaz de imponer su voluntad sobre la materia rebelde y termina siendo esta la que domina su trabajo. Con el tiempo, el uso del bronce introduce ligeras variantes, permitiendo mayor libertad que el mármol en los gestos.

La figura humana se representa mayormente de dos formas: la del hombre joven casi siempre desnudo con la pierna izquierda adelantada, brazos pegados al cuerpo o se adelantan un poco, en la mayoría de los casos sin ninguna pertenencia y tiene el puño cerrado.  Y la mujer vestida, sus brazos caen inertes o levantan con una mano los pliegues de su vestido sosteniendo en la otra una ofrenda. Estos son los dos tipos predilectos que el artista repite hasta el final del siglo VI, que se realizan muchas veces debido a su facilidad para adaptarse de maneras diferentes, ya que el hombre puede ser tanto un dios como un difunto o un fiel, y la mujer, una diosa o una adoradora.

De ahí se dan dos tipos que hoy se denominan como los Kuroi (‘’los jóvenes’’) y las Cores (las jóvenes’’).

En esta época, el dibujo sí se adelanta a la plática debido a que no tiene que vencer las mismas dificultades técnicas, ya que es más sencillo trazar en una superficie plana las actitudes y movimientos que representarlas en materia difícil de manejar. Sin embargo igual está sujeto a ciertas convenciones universales que le impiden una reproducción exacta de la realidad, como el hecho de que cada parte debe representarse en su aspecto más característico, ya sea de lado o de frente. Aún así el dibujo es más claro y fácil de hacer; esta es la razón por la cual en los relieves y pinturas, hasta el fin del siglo VI, rara vez se dan situaciones de gran dinámica. La estatua concebida para ser vista de frente, solo puede representar el cuerpo humano en reposo, el movimiento es impedido por la frontalidad.

Más adelante, se definen dos tipos de estatua: la estatua exenta, la cual es concebida de frente y en reposo o en acción a manera de proyección. Y la estatuaria de movimiento, sometida a las leyes del dibujo. En ella se basan durante todo el arte griego, los artistas que gustan de las actitudes violentas o de combates.

El movimiento de la estatua exenta, es sin embargo una innovación del arte griego, no aparece en Egipto y Mesopotamia más que en los relieves y pinturas, pero sus estatuas no logran nunca librarse de la rigidez de la frontalidad.

Ninguno intenta, como los griegos, reproducir la variedad de actos de la vida real. Sin duda las estatuas son frontales, pero es en los detalles de la musculatura que se comprueba el deseo de acercarse más a la realidad.

A fines del siglo VI, se renuncia a las viejas leyes de la frontalidad, dándose cuenta de que en la naturaleza no existen estos cuerpos rígidos; que la línea del cuerpo rara vez es vertical, sino que se curva, que el cuerpo no reposa sobre las dos piernas y que la cabeza no está siempre de frente al espectador.

El artista griego es el único de la Antigüedad que ha roto la frontalidad. Se observa sobre todo en los cuerpos masculinos desnudos pero también bajo el vestido femenino.

Ahora, a pesar de la nueva libertad, el artista se preocupa por establecer una relación rítmica entre los movimientos de los brazos y las piernas. Esto se convierte en una norma: en cada lado del cuerpo, los movimientos del brazo y de la pierna se oponen, se contrabalancean de manera que, para hallar una correspondencia hay que buscarla diagonalmente.

El tronco se mueve en todos los sentidos, según las necesidades del asunto y los gestos de los brazos y de las piernas, modificando su apariencia en otro tiempo tan uniforme.

El centro de gravedad se desplaza; los pies antes sostenían el cuerpo, ahora el peso puede ser apoyado por un elemento exterior.

En esta misma época, el dibujo adquiere el conocimiento del escorzo, consecuencia del mismo deseo de reproducir la realidad tal y como es gracias  a la observación.

Los helenísticos no introducen tantas innovaciones en las posiciones del cuerpo humano, pero si gustaban de las actitudes complicadas, ritmos difíciles que ofrecían grandes problemas de estética y musculatura. Se desea representar la complejidad de la vida e incluso rechaza a veces las reglas con respecto a las extremidades ya que no se apega a la naturaleza y promueve la rigidez.

Los griegos estudian la anatomía como artistas y no como científicos, se da la apreciación de la estética de los miembros. El artista estudia la visión del cuerpo vivo y las costumbres de los grandes maestros y sus estudios sobre los cánones o proporciones. Los escultores se convierten en los principales autores de los progresos de la anatomía.

Sin embargo, el artista debe resolver ciertos problemas, tales como el hecho de que al principio se tendía a omitir detalles que ahora son considerados esenciales, como boca, nariz, piernas o brazos; pero que resultan inútiles si la figura resulta reconocible sin estos.  Más tarde, esto se corrige, pero además se debe colocar cada detalle en su lugar apropiado; durante mucho tiempo, el artista coloca con frecuencia cosas como los pectorales o las orejas demasiado altos. Además hay que dar el la magnitud exacta y que esté proporcionada a las demás partes del cuerpo. En el dibujo y la escultura, en muchas ocasiones el ojo es enorme y el cuello desmesurado.

Igualmente se le debe dar a cada parte su forma exacta, en vez del esquema geométrico al que antes estaban sometidos.

Se hace presente el ritmo o la euritmia, que consiste en la impresión estética que le da al espectador la exacta unión de las partes con el todo.

A partir de los comienzos del siglo V, se desean representar las diferencias de musculatura según la edad, rango social y el individuo.

Pero son los helenísticos los que definen las diferencias anatómicas entre los sexos, edades, condiciones sociales, intelectuales y morales; tampoco temen representar los defectos fisiológicos.

Durante el siglo V el are había sido idealista con el cuerpo humano, pero al llagar el siglo VI, los helenísticos trajeron mayor diversidad y conocimiento de la anatomía.

Otro aspecto cambiante es la primera preferencia del canon que mostraba una figura extremadamente delgada y luego la llegada de otro que prefiere las formas cortas y rechonchas que dan una impresión más de fuerza que de elegancia.

En conclusión, los griegos eran un pueblo cuyo arte era la glorificación del cuerpo humano, inclinándose enteramente al realismo durante la época helenística. Entonces perciben las cosas sencillamente como son, incluso sin establecer en ellas ninguna distinción jerárquica; promoviendo la representación de lo accidental y momentáneo, de los sentimientos, edades y rasgos individuales.

El artista griego busca la verdad, el amor a la vida  que mueve al ser humano a distintas actitudes variadas  pero también a actitudes de reposo. Todos estos factores le permitieron al griego romper con las trabas que ataron a todas las demás culturas de la Antigüedad, poniendo las bases para el artista moderno.

Bibliografía:

• La Enciclopedia Volumen 9, Du bellay estados unidos, Editorial Salvat    2004

• La enciclopedia del estudiante, Tomo 09,  Historia del Arte, Editorial Santillana   2006

• El Arte en Grecia, A. de Ridder, 2da Edición, UTEHA México 1961

Páginas de referencia:

• http://www.ccsscastillodeluna.com/documentos/historiaarte2bach/9.temasarte.htm
• http://www.edukativos.com
• http://www.aloj.us.es/abduran/estilo%20doctorado/archivos/capitulo_3.htm#3.3